Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』は、シーズン5でついに最終章を迎えました。

『ストレンジャー・シングス』といえば、80年代カルチャー、ホラー、SF、青春ドラマと並んで、音楽の使い方が非常に印象的な作品です。シーズン1ではThe Clash「Should I Stay or Should I Go」、シーズン4ではKate Bush「Running Up That Hill」やMetallica「Master of Puppets」が物語と深く結びつき、大きな話題になりました。

そしてシーズン5でも、過去シーズンを思い出させる楽曲、新たに印象を残す80年代ヒット、最終章らしい別れと再生を感じさせる名曲が使われています。

この記事では、『ストレンジャー・シングス』シーズン5で使われた楽曲・挿入歌・サントラを、エピソード別に整理します。どの曲がどんな意味を持つのか、どのキャラクターや場面とつながるのかを、シーズン5のネタバレありで解説します。

※この記事はシーズン5最終話までのネタバレを含みます。まだ最後まで見ていない人は注意してください。

シリーズ全体の伏線・楽曲・オマージュ記事はこちらにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

シーズン5の伏線回収・時系列解説はこちらで整理しています。

『ストレンジャー・シングス』シーズン5伏線回収・時系列解説｜最終章の謎と結末を整理

シーズン5の音楽が特別な理由

シーズン5の音楽が特別なのは、シリーズ全体の記憶を呼び戻す役割を持っているからです。

これまで『ストレンジャー・シングス』では、楽曲が単なるBGMではなく、キャラクターの感情や物語の鍵として使われてきました。シーズン1の「Should I Stay or Should I Go」はウィルとのつながりを象徴し、シーズン4の「Running Up That Hill」はマックスを現実へ引き戻す命綱になりました。

シーズン5では、その流れを受けて、音楽が“最終章の記憶”をつなぐ役割を持っています。過去シーズンの名曲が再び響く場面もあれば、シリーズの終わりを感じさせる楽曲もあります。

つまりシーズン5の楽曲は、懐かしさを出すためだけの選曲ではありません。キャラクターたちが歩んできた時間、失ったもの、取り戻したもの、そして最後にたどり着く場所を音で支えています。

シーズン5楽曲・挿入歌一覧

まずは、シーズン5で使われた主な楽曲をエピソード別に整理します。

第1話の楽曲｜最終章の始まりと“裏側”の予感

Michael Jackson「Rockin’ Robin」

使われる回： シーズン5第1話

「Rockin’ Robin」は、明るく軽やかなポップソングです。シーズン5の始まりにこうした楽曲が置かれることで、ホーキンスの不穏な状況とのギャップが生まれます。

最終章はどうしても重くなりがちですが、『ストレンジャー・シングス』らしさは、怖さだけではありません。子どもたちの冒険、日常の空気、ポップカルチャーの軽さも大切な要素です。「Rockin’ Robin」は、その軽さを思い出させる曲です。

The Psychedelic Furs「Pretty in Pink」

使われる回： シーズン5第1話

「Pretty in Pink」は、80年代青春映画の記憶を呼び起こす楽曲です。タイトルからも分かるように、1986年の映画『プリティ・イン・ピンク / 恋人たちの街角』とも結びつきが強い曲です。

シーズン5では、青春の甘さよりも、最終章へ向かう不穏さの中で使われることで、かえって“失われていく普通の日常”のような感覚が出ます。

Diana Ross「Upside Down」

使われる回： シーズン5第1話

この曲は、タイトルだけでも『ストレンジャー・シングス』と相性抜群です。「Upside Down」は、まさにシリーズを象徴する“裏側の世界”を連想させる言葉です。

もちろん楽曲自体は明るいダンスナンバーですが、シーズン5でこのタイトルが響くと、どうしてもホーキンスと裏側の世界の関係を意識してしまいます。

軽快な曲なのに、意味としてはかなり不穏。こういうズレこそ、『ストレンジャー・シングス』らしい選曲です。

Kate Bush「Running Up That Hill」

使われる回： シーズン5第1話・第2話・第4話・第6話・第7話

シーズン5で最も重要な再登場曲のひとつが、Kate Bushの「Running Up That Hill」です。

この曲はシーズン4でマックスの命綱として使われ、シリーズ全体でも特別な意味を持つ楽曲になりました。シーズン5で再び使われることで、マックスの記憶、ヴェクナとのつながり、シーズン4から続く傷が強く呼び戻されます。

シーズン5では、この曲が単なる“再使用”ではなく、マックスの物語を引き継ぐサインとして機能しています。

第2話の楽曲｜記憶・夢・不穏さが混ざる回

ABBA「Fernando」

使われる回： シーズン5第2話

ABBAの「Fernando」は、懐かしさと切なさが強い曲です。明るく華やかなABBAのイメージの中でも、この曲にはどこか遠い記憶を見つめるような空気があります。

シーズン5で使われると、単なる70年代ポップではなく、過去を振り返るような響きになります。最終章では、登場人物たちが過去に向き合う場面が多いため、こうした曲の持つ“回想感”がよく合います。

The Chordettes「Mr. Sandman」

使われる回： シーズン5第2話

「Mr. Sandman」は、夢や眠りを連想させるクラシックなポップソングです。明るくかわいらしい曲ですが、ホラー作品の中で使われると一気に不穏に聞こえるタイプの曲でもあります。

『ストレンジャー・シングス』では、古い曲をあえて不気味な文脈で響かせる演出がたびたびあります。シーズン5でも、この曲は“夢のような世界”と“現実ではない場所”の境界を感じさせます。

第3話の楽曲｜80年代ポップと孤独感

Tiffany「I Think We’re Alone Now」

使われる回： シーズン5第3話

Tiffanyの「I Think We’re Alone Now」は、80年代ポップの明るさが強い曲です。ただ、タイトルにある「私たちだけ」という感覚は、シーズン5の孤独や閉じられた世界とも重なります。

明るいメロディの裏に、誰にも見られていない場所、誰にも届かない気持ちがある。シーズン5の文脈で聴くと、この曲はただの懐かしいヒットソングではなく、キャラクターの孤立感とも響き合います。

Yello「Oh Yeah」

使われる回： シーズン5第3話

「Oh Yeah」は、80年代映画やCMの記憶と結びつきやすい曲です。一度聴くと忘れにくい低い声と独特のリズムが特徴で、ユーモラスにも不気味にも響きます。

シーズン5の中では、この曲の少しズレたテンションが、場面の空気を変える役割を持っています。シリアスな最終章の中に、こうした奇妙な抜け感が入るのも『ストレンジャー・シングス』らしいところです。

第4話の楽曲｜古いポップスとマックスの記憶

The Chords「Sh-Boom」

使われる回： シーズン5第4話・第8話

「Sh-Boom」は、1950年代の明るく軽快なドゥーワップ曲です。『ストレンジャー・シングス』は80年代の作品として語られがちですが、シーズン5ではそれ以前の時代の楽曲も使われています。

この曲の明るさは、最終章の重さと対照的です。だからこそ、現実から少し浮いたような、夢の中のような、不思議な空気を作ります。

第4話では、過去の記憶やヘンリーの背景と結びつくことで、ただ懐かしいだけではない不穏さをまといます。一方で第8話では、最終回の中に少しだけ明るく、古き良き時間の感触を差し込む曲として響きます。

Kate Bush「Running Up That Hill」

使われる回： シーズン5第4話

第4話でも「Running Up That Hill」が重要な意味を持ちます。

シーズン4でマックスと結びついたこの曲は、シーズン5でも彼女の存在を強く思い出させます。曲が流れるだけで、視聴者はシーズン4第4話「親愛なるビリー」の記憶へ引き戻されます。

最終章でこの曲が何度も使われるのは、マックスの物語がまだ終わっていないことを示しているようにも感じられます。

第5話の楽曲｜日常の記憶を支えるピアノ曲

Floyd Cramer「Heart and Soul」

使われる回： シーズン5第5話

「Heart and Soul」は、ピアノ曲としても非常に親しまれている楽曲です。どこか懐かしく、素朴で、日常の記憶に近い音を持っています。

シーズン5のような最終章では、派手なロックやポップだけでなく、こうした“普通の日常”を感じさせる曲が逆に重要になります。

ホーキンスでの暮らし、家族、友人、失われた時間。そうしたものを思い出させる曲です。

第6話の楽曲｜Running Up That Hillの再解釈

Kate Bush「Running Up That Hill」

使われる回： シーズン5第6話

シーズン5第6話でも、「Running Up That Hill」は大きな意味を持ちます。

シーズン4では、マックスがヴェクナの精神世界から戻るための曲として使われました。シーズン5では、その記憶を前提に、曲そのものが“マックスの存在を呼び戻す音”のように響きます。

同じ曲でも、シーズン4とシーズン5では受け取り方が少し変わります。シーズン4では生き延びるための曲。シーズン5では、失われかけたものを取り戻すための曲として聞こえます。

Rob Simonsen / London City Orchestra「Running Up That Hill Instrumental Cover Version」

使われる回： シーズン5第6話

インストゥルメンタル版の「Running Up That Hill」は、歌詞がないぶん、感情だけが残るような印象になります。

原曲が持っていた“神と取引できるなら”という切実さを、言葉ではなくメロディで感じさせる使い方です。シーズン5では、楽曲の再利用というより、シーズン4から続く感情を音楽的に変奏しているように見えます。

第7話の楽曲｜喪失感と不穏さが強まる

Moby「When It’s Cold I’d Like to Die」

使われる回： シーズン5第7話

Mobyの「When It’s Cold I’d Like to Die」は、シーズン4でも強い印象を残した曲です。冷たさ、喪失、静かな絶望感を持つこの曲は、シーズン5でも非常に重く響きます。

派手な戦闘や大きな展開のあとに、この曲のような静かな音が流れると、失われたものの重さが一気に迫ってきます。

シーズン5では、最終決戦へ向かう中で、勝つことだけではなく、何を失ってきたのかも大きなテーマになります。この曲は、その痛みを支える選曲です。

Butthole Surfers「Human Cannonball」

使われる回： シーズン5第7話

「Human Cannonball」は、荒々しく、少し不穏で、きれいに整っていないエネルギーを持つ曲です。

『ストレンジャー・シングス』では、シーズン4のエディやメタル文化のように、メインストリームから外れた音がキャラクターや場面の空気を支えることがあります。

この曲も、最終章の混乱や切迫感に合う選曲です。

第8話の楽曲｜最終回を彩る名曲たち

The Chords「Sh-Boom」

使われる回： シーズン5第8話

第8話でも「Sh-Boom」は印象的な楽曲のひとつです。

1950年代の明るいドゥーワップであるこの曲は、最終回の重い展開の中で、少しだけ時間が巻き戻ったような懐かしさを生みます。

『ストレンジャー・シングス』は80年代のイメージが強い作品ですが、シーズン5では1950年代の記憶やヘンリー・クリールの過去も重要になります。そのため「Sh-Boom」のような古いポップスは、単なる懐メロではなく、ホーキンスという町に積み重なった時間を感じさせる役割を持っています。

Prince「When Doves Cry」

使われる回： シーズン5第8話

最終話で使われるPrinceの「When Doves Cry」は、80年代を代表する名曲のひとつです。

この曲は、恋愛、孤独、家族、心の痛みが複雑に絡み合った楽曲です。シーズン5の最終話で使われることで、単なる懐かしいヒットソングではなく、長く続いた登場人物たちの感情を支える曲になります。

Prince「Purple Rain」

使われる回： シーズン5第8話

「Purple Rain」は、シーズン5最終話の中でも特に大きな意味を持つ楽曲です。

Princeの代表曲であり、80年代音楽史の中でも特別な位置にある曲です。別れ、祈り、浄化、余韻。そうした感情が混ざるこの曲は、最終章のラストに非常によく合います。

『ストレンジャー・シングス』は、これまでも名曲を物語の感情と結びつけてきました。シーズン5で「Purple Rain」が使われることで、シリーズの終わりに壮大で切ない余韻が加わります。

Fleetwood Mac「Landslide」

使われる回： シーズン5第8話

「Landslide」は、成長や変化、時間の流れを感じさせる名曲です。

シーズン5の最終話でこの曲が響くと、子どもだった彼らが長い時間を経て変わっていったこと、もう元の場所には戻れないことを強く感じます。

『ストレンジャー・シングス』は、怪物との戦いを描く作品であると同時に、子どもたちが成長していく物語でもありました。「Landslide」は、その成長と別れにぴったりの曲です。

Pixies「Here Comes Your Man」

使われる回： シーズン5第8話

Pixiesの「Here Comes Your Man」は、シーズン5最終話の重さの中に少し軽さを与える曲です。

終わりに向かう物語の中で、こうした明るさや抜け感のある曲が入ると、ただ重いだけではない余韻が生まれます。

シリーズが終わっても、登場人物たちの人生は続いていく。そんな感覚に近い選曲です。

Iron Maiden「The Trooper」

使われる回： シーズン5第8話

Iron Maidenの「The Trooper」は、最終決戦の熱量や高揚感と相性のいい楽曲です。

シーズン4ではMetallica「Master of Puppets」がエディの名場面を支えましたが、シーズン5でもメタル的な音は、戦いの激しさや覚悟を表現するうえで重要です。

激しいギター、疾走感、戦いを思わせるタイトル。最終章のクライマックスにふさわしい選曲です。

Cowboy Junkies「Sweet Jane」

使われる回： シーズン5第8話

「Sweet Jane」は、原曲のロック感とは違い、Cowboy Junkies版では静かで深い余韻があります。

最終話で使われることで、戦いの後に残る静けさや、登場人物たちが抱える感情に寄り添う曲になります。

派手な勝利ではなく、静かに残る痛みや優しさを感じさせる選曲です。

Etta James「At Last」カバー

使われる回： シーズン5第8話

ホッパーがジョイスに気持ちを伝える場面では、Etta Jamesで知られる名曲「At Last」のカバーが生演奏されます。

「At Last」は、長い時間を経てようやく大切な人にたどり着いた喜びを歌うラブソングです。ホッパーとジョイスは、シーズン1から何度も危機を乗り越え、すれ違いながらも互いを支え続けてきました。

その二人の場面で「At Last」が流れることで、“やっとここまで来た”という感情がそのまま音楽になります。

派手な最終決戦を支える曲ではありませんが、シーズン5最終回の中でも、キャラクターの幸せを静かに祝福する重要な選曲です。

David Bowie「Heroes」

使われる回： シーズン5第8話

David Bowieの「Heroes」は、シリーズの締めくくりにふさわしい楽曲です。

『ストレンジャー・シングス』では、シーズン1でPeter Gabrielによる「Heroes」のカバーが印象的に使われました。シーズン5でDavid Bowieの原曲が響くことで、シリーズの始まりと終わりが音楽的にもつながります。

タイトルの「Heroes」という言葉も、最終章にはぴったりです。特別な力を持つイレブンだけでなく、マイク、ウィル、ダスティン、ルーカス、マックス、ホッパー、ジョイス、スティーブ、ナンシー、ロビン、仲間たち全員が、それぞれの場所で勇気を見せてきました。

この曲は、そんな彼らの物語を締めくくるアンセムのように響きます。

シーズン5で特に重要な5曲

1. Kate Bush「Running Up That Hill」

シーズン4から続くマックスの物語を象徴する曲です。シーズン5でも何度も使われることで、彼女の記憶とヴェクナとの戦いがまだ続いていることを感じさせます。

2. Tiffany「I Think We’re Alone Now」

80年代ポップの明るさと、孤独や閉じられた世界の感覚が重なる曲です。シーズン5の中で、懐かしさと不穏さを同時に出す選曲になっています。

3. Prince「Purple Rain」

最終話の感情を大きく支える曲です。別れ、祈り、余韻を感じさせる名曲で、シリーズの終わりにふさわしい重みがあります。

4. Fleetwood Mac「Landslide」

成長と変化を象徴する曲です。子どもたちが大人になり、もう元には戻れない時間を感じさせる、最終章らしい選曲です。

5. David Bowie「Heroes」

シリーズの原点と終わりをつなぐ曲です。シーズン1で印象的だった「Heroes」の記憶を、シーズン5でDavid Bowieの原曲が回収するように響きます。

シーズン1〜4の楽曲記事はこちら

過去シーズンの楽曲や使用シーンも知りたい人は、こちらもあわせてどうぞ。

• 『ストレンジャー・シングス』シーズン1楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド
• 『ストレンジャー・シングス』シーズン2楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド
• 『ストレンジャー・シングス』シーズン3楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド
• 『ストレンジャー・シングス』シーズン4楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド

まとめ：シーズン5の音楽は“記憶を回収するサントラ”だった

『ストレンジャー・シングス』シーズン5の音楽は、シリーズの最終章らしく、これまでの記憶を回収する役割を持っていました。

Kate Bush「Running Up That Hill」はマックスの物語を引き継ぎ、Prince「Purple Rain」やFleetwood Mac「Landslide」は別れと成長を支え、David Bowie「Heroes」はシリーズの始まりと終わりを音楽でつなぎます。

さらに、The Chords「Sh-Boom」はホーキンスに積み重なった過去の時間を感じさせ、Etta Jamesで知られる「At Last」のカバーは、ホッパーとジョイスがようやくたどり着いた関係を温かく包み込みます。

シーズン5は、ヴェクナとの最終決戦だけでなく、登場人物たちが過ごしてきた時間、失ったもの、守ろうとしたものを振り返るシーズンでもあります。その感情を支えているのが、今回の楽曲たちです。

『ストレンジャー・シングス』は最後まで、音楽が物語の一部になっている作品でした。シーズン5を見終えたあとに楽曲を聴き返すと、ホーキンスで過ごした長い時間がもう一度よみがえるはずです。

シーズン別の伏線・楽曲・オマージュ記事は、総合ガイドにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン4は、シリーズの中でも音楽の使い方が特に強いシーズンです。これまでのシーズンでも80年代の名曲はたくさん使われてきましたが、シーズン4では音楽が単なるBGMではなく、物語そのものを動かす重要な要素になっています。

特にケイト・ブッシュの「Running Up That Hill」は、マックスの物語と深く結びつき、シーズン4を象徴する一曲になりました。さらに最終盤では、メタリカの「Master of Puppets」が強烈な場面で使われ、エディ・マンソンというキャラクターの印象を決定づけています。

この記事では、『ストレンジャー・シングス』シーズン4で使われた楽曲を、エピソード別に整理します。どの曲がどんな場面で流れたのか、なぜその曲が印象に残るのか、そして物語とどうつながっているのかを、シーズン5のネタバレなしで解説します。

シリーズ全体のシーズン別ガイドはこちらにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

シーズン4の音楽が特別な理由

シーズン4の音楽が特別なのは、曲が“キャラクターの心の奥”に直接つながっているからです。とくにマックスにとっての「Running Up That Hill」は、ただ好きな曲ではありません。彼女が孤独や罪悪感と向き合うための音であり、現実へ戻るための命綱でもあります。

また、シーズン4はこれまで以上にホラー色が強く、ヴェクナの精神攻撃が物語の中心になります。そのため音楽は、懐かしさや時代感を出すだけでなく、“精神世界から抜け出すための扉”のような役割を持つようになりました。

一方で、カリフォルニア編やエディのメタル要素など、シーズン4らしいキャラクターの色を出すための選曲もかなり印象的です。つまりシーズン4は、音楽が感情、時代感、キャラクター性、ホラー演出のすべてを支えているシーズンです。

第1話「ヘルファイア・クラブ」の楽曲

The Cramps「I Was a Teenage Werewolf」

流れる場面： ホーキンス高校の空気や、ヘルファイア・クラブ周辺の少し不穏で反抗的な雰囲気を印象づける曲です。

この曲の役割：
The Crampsは、パンク、ガレージロック、ロカビリー、ホラー趣味が混ざったようなバンドです。「I Was a Teenage Werewolf」というタイトルからして、シーズン4の“思春期ホラー”感にぴったりです。学校生活、D&D、周囲からの偏見、怪物的なものへの恐怖。シーズン4のテーマがかなり早い段階で音にも出ています。

Extreme「Play With Me」

流れる場面： エディ・マンソンとヘルファイア・クラブの勢いを強調するような場面で印象に残る曲です。

この曲の役割：
エディはシーズン4で初登場するキャラクターですが、最初からかなり強い個性を持っています。メタル、D&D、反抗的な態度、でも根は優しい。そうしたエディの“騒がしさ”や“外れ者感”を支えるのが、この手の派手なロックです。シーズン4のホーキンスでは、音楽そのものがキャラクターの居場所を示す記号になっています。

Kate Bush「Running Up That Hill」

流れる場面： マックスが聴いている曲として登場します。第1話の時点では、彼女の日常に寄り添う音楽として置かれています。

この曲の役割：
最初は“マックスが好きな曲”として聞こえますが、シーズンが進むにつれて、この曲の意味は大きく変わっていきます。ビリーの死を引きずり、友人たちから距離を取り、自分の痛みを誰にも言えないマックスにとって、「Running Up That Hill」は心の奥にある感情を代弁する曲です。

第2話「ヴェクナの呪い」の楽曲

Dead or Alive「You Spin Me Round (Like a Record)」

流れる場面： ローラースケート場の場面で印象的に使われます。

この曲の役割：
「You Spin Me Round」は、80年代ポップの派手さと毒っぽさが強い曲です。明るくて踊れる曲なのに、場面の空気はどこか居心地が悪い。シーズン4のカリフォルニア編は、一見すると日差しが強くて開放的ですが、イレブンにとっては孤立や不安の場所でもあります。この曲の派手さは、むしろ彼女の居づらさを浮き上がらせています。

Musical Youth「Pass the Dutchie」

流れる場面： アーガイルの登場やカリフォルニア編のゆるい空気を象徴するように使われます。

この曲の役割：
「Pass the Dutchie」は、シーズン4の中でも特に空気を変える曲です。ホーキンス編がどんどん重くなっていく一方で、カリフォルニア編にはアーガイルのゆるさがあり、その雰囲気を支えているのがこの曲です。ただし、シーズン4はコメディだけでは終わらないので、この軽さが後半では逆に貴重に感じられます。

第3話「怪物か、スーパーヒーローか」の楽曲

Ricky Nelson「Travelin’ Man」

流れる場面： 移動や逃亡、離れた場所にいるキャラクターたちの物語に重なるように使われます。

この曲の役割：
シーズン4は、ホーキンス、カリフォルニア、ロシア、ニーナ計画と、物語の場所が大きく分かれます。「Travelin’ Man」は、そうした“移動する物語”の感覚に合う曲です。80年代より前の曲を使うことで、シーズン4の音楽には単なる1986年の懐かしさだけではない幅が生まれています。

Louis Armstrong & Ella Fitzgerald「Dream a Little Dream of Me」

流れる場面： ヴェクナやクリール家の不気味さと結びつく形で使われます。

この曲の役割：
古いスタンダード曲がホラー場面で使われると、独特の不気味さが生まれます。「Dream a Little Dream of Me」は本来ロマンチックでやわらかい曲ですが、シーズン4ではその甘さが逆に怖く聞こえます。夢、記憶、幻覚、精神世界。シーズン4のホラーは“眠り”や“心の奥”と深く関わっているので、この曲の選び方はかなり効果的です。

第4話「親愛なるビリー」の楽曲

Kate Bush「Running Up That Hill」

流れる場面： マックスがヴェクナの精神世界から逃げ出す、シーズン4屈指の名場面で使われます。

この曲の役割：
この回で「Running Up That Hill」は、単なる挿入歌ではなく、物語上の“鍵”になります。マックスはビリーの死に対する罪悪感、自分だけが生き残ってしまったような感覚、友人たちとの距離を抱えています。ヴェクナはそこにつけ込むのですが、音楽が彼女を現実へ引き戻します。

曲のテーマも場面と非常によく合っています。「もし神と取引できるなら」という感覚は、マックスの“どうにかして過去を変えたい”“誰かと痛みを入れ替えたい”という気持ちと重なります。この曲が世界的に再評価されたのも、単に懐かしい名曲だったからではなく、シーンと感情が完璧に噛み合っていたからだと思います。

第5話「ニーナ計画」の楽曲

Falco「Rock Me Amadeus」

流れる場面： カリフォルニア組の移動や、少しコミカルで勢いのある場面の空気を支えます。

この曲の役割：
「Rock Me Amadeus」は、80年代らしい変さと派手さが詰まった曲です。シーズン4は全体としてかなり重いシーズンですが、カリフォルニア組の場面にはまだ少し軽さがあります。この曲は、その“変なテンション”をうまく支えています。

Baltimora「Tarzan Boy」

流れる場面： カリフォルニア編の陽気でどこかズレた空気に重なります。

この曲の役割：
「Tarzan Boy」は、とにかく一度聴くと耳に残る曲です。シーズン4におけるカリフォルニア編は、ホーキンスの重苦しさとは違うテンポで進むため、こうした明るく少し脱力感のある選曲がよく合います。深刻な本筋の横で、少し浮いたような音が鳴る。このズレが、シーズン4全体のリズムを作っています。

第6話「ダイブ」の楽曲

KISS「Detroit Rock City」

流れる場面： エディやホーキンス組のロック／メタル的な雰囲気と相性のいい場面で印象に残ります。

この曲の役割：
KISSの「Detroit Rock City」は、ハードロックの派手さと危うさを持った曲です。シーズン4では、エディの存在によってメタルやロックの文化がかなり前に出ます。彼のキャラクターは、世間からは危険視されるけれど、実際には仲間思いで臆病さもある人物です。ロックの音は、その誤解される感じとよく重なっています。

The Surfaris「Wipe Out」

流れる場面： カリフォルニア編の軽さや移動のテンポを出す曲として印象に残ります。

この曲の役割：
「Wipe Out」は、サーフロックの定番曲です。シーズン4の中では、ホーキンスの暗さとカリフォルニアの明るさの対比がかなり強いですが、この曲はまさにその“明るい側”を象徴します。とはいえ、シーズン4では明るい場面の裏にも危機が進んでいるので、曲の軽さが逆に緊張感のクッションになっています。

第7話「ホーキンス研究所の虐殺」の楽曲

Philip Glass「Prophecies」

流れる場面： イレブンの過去、001、ホーキンス研究所の真実が明かされていく流れに重なる重要な楽曲です。

この曲の役割：
フィリップ・グラスの音楽は、反復と緊張感が特徴です。「Prophecies」は、シーズン4の中でも特に“運命が動いている”感覚を強める曲です。イレブンの記憶がただの過去回想ではなく、シリーズ全体の根本へつながる真実になっていく。その重さを支えているのが、この曲の静かな圧力です。

シーズン4の第7話は、楽曲という意味でもかなり異質です。80年代ポップやロックだけでなく、クラシック／ミニマル音楽の質感を入れることで、物語が一気に神話的な重さを帯びます。

第8話「パパ」の楽曲

Journey「Separate Ways (Worlds Apart)」

流れる場面： シーズン4後半の予告やクライマックス感を強く印象づける曲として使われます。

この曲の役割：
「Separate Ways」は、シーズン4の“離れた場所で同じ敵に向かう”構造と非常に相性がいい曲です。ホーキンス、ロシア、カリフォルニア、イレブン。それぞれの場所にいる人たちは物理的には離れていますが、同じ危機へ向かっています。

タイトルの“別々の道”という意味も、シーズン4の構造そのものです。仲間たちは一緒にいない。でも、それぞれが自分の場所で動くことで、最終的にひとつの戦いにつながっていく。シーズン4後半の高揚感を支える、かなり重要な曲です。

第9話「ピギーバック」の楽曲

Metallica「Master of Puppets」

流れる場面： エディ・マンソンが裏側の世界でギターをかき鳴らす、シーズン4最大級の名場面で使われます。

この曲の役割：
「Master of Puppets」は、エディというキャラクターの集大成のような曲です。彼はシーズン4の中で、ずっと“逃げた自分”を気にしていました。けれど最終話では、自分の得意なもの、自分の好きな音楽を武器にして、仲間のために時間を稼ぎます。

メタリカの激しさ、曲名の“操り人形”という意味、ヴェクナに操られるように追い詰められる人々。いろいろな意味が重なって、この曲は単なるメタルの名曲以上の存在になっています。エディのための曲であり、シーズン4のクライマックスを象徴する曲でもあります。

Moby「When It’s Cold I’d Like to Die」

流れる場面： シーズン4終盤の重い余韻を支える楽曲として使われます。

この曲の役割：
シーズン4の最終話は、勝利の高揚感だけでは終わりません。むしろ、取り返しのつかない傷や喪失感が強く残ります。「When It’s Cold I’d Like to Die」は、その冷たさや静かな絶望感を支える曲です。派手なロックではなく、沈み込むような音だからこそ、終盤の余韻が深くなります。

シーズン4で特に重要な3曲

1. Kate Bush「Running Up That Hill」

シーズン4を代表する曲です。マックスの心の傷、ヴェクナからの逃走、友人たちとのつながり。すべてがこの曲に集約されています。シーズン4の音楽を語るなら、まずこの曲から始めるべきです。

2. Metallica「Master of Puppets」

エディ・マンソンを象徴する曲です。メタルという音楽ジャンルが、単なるキャラ付けではなく、物語上の行動と結びついたことで、強烈な名場面になりました。

3. Journey「Separate Ways」

シーズン4後半のスケール感を支える曲です。離れた場所にいる仲間たちが、それぞれの戦いへ向かう構造とタイトルが重なります。

シーズン1〜3の楽曲記事はこちら

過去シーズンの楽曲や使用シーンも知りたい人は、こちらもあわせてどうぞ。

• 『ストレンジャー・シングス』シーズン1楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド
• 『ストレンジャー・シングス』シーズン2楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド
• 『ストレンジャー・シングス』シーズン3楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド

まとめ：シーズン4は音楽が“物語の鍵”になったシーズン

『ストレンジャー・シングス』シーズン4の音楽は、シリーズの中でも特に重要です。これまでのように80年代らしさを演出するだけではなく、キャラクターの心、精神世界、そして物語の展開そのものに深く関わっています。

マックスにとっての「Running Up That Hill」、エディにとっての「Master of Puppets」、仲間たちの分断と戦いを象徴する「Separate Ways」。どれも、曲単体の魅力だけでなく、場面と結びつくことで忘れられないものになっています。

シーズン4は暗く、長く、かなり重いシーズンです。でも、その重さを支えているのが音楽です。だから見返すときは、ぜひ曲にも注目してみてください。シーズン4の感情が、かなり違って聞こえてくるはずです。

シーズン別の伏線・楽曲・オマージュ記事は、総合ガイドにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン3の音楽は、シリーズの中でもひときわ派手です。シーズン1と2が“80年代の空気”をじわっとまとっていたとすれば、シーズン3はそこからさらに一歩進んで、“1985年のポップカルチャーそのもの”を前面に押し出してきます。

スターコート・モール、夏休み、ネオン、アイスクリーム、花火、若者たちの恋愛。画面が明るくなったぶん、音楽もずっとキャッチーで、親しみやすくて、耳に残るものが増えました。けれど、このシーズンで鳴る曲は、ただ夏っぽくて気持ちいいだけではありません。軽やかなポップソングが流れているのに、画面の裏ではかなり気味の悪いことが起きている。その落差こそが、シーズン3の音楽の面白さです。

この記事では、シーズン3で使われた楽曲をエピソード別に整理し、どんな場面で印象に残るのか、そしてその曲がどんな意味を持っていたのかを振り返っていきます。シーズン4以降の情報は混ぜず、シーズン3だけで読める楽曲ガイドとしてまとめました。

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の音楽が特別な理由

シーズン3の選曲は、とにかく“夏”です。しかもただの夏ではなく、ショッピングモール文化が全開だった1980年代半ばの夏。ポップで、派手で、少し軽薄で、でもたまらなく楽しい。今回の音楽は、ホーキンスの新しい顔――つまりスターコート・モールの顔――を、そのまま音にしたようなところがあります。

一方で、今シーズンの恐怖は、暗い場所だけで起きるわけではありません。むしろ明るくて、開放的で、音楽が気持ちよく鳴っている場所ほど嫌なことが起きる。その意味でシーズン3の楽曲は、恐怖を薄めるためではなく、むしろ不穏さを際立たせるために使われています。

第1話「Suzie, Do You Copy?」の楽曲

The Cars「Moving in Stereo」

流れる場面： シーズン3の幕開けらしい、少し艶っぽくて気だるい夏の空気を感じさせる場面で印象に残る一曲です。

この曲の役割：
The Cars は、ニューウェーブ寄りの冷たさとポップさを同時に持ったバンドで、「Moving in Stereo」もその魅力がよく出ています。シーズン3冒頭は、恋愛の気配や思春期の距離感がこれまで以上に前に出ますが、この曲はそうした“ちょっと大人びた夏”の感じにぴったりです。気持ちよく流れるのに、どこか薄く不安が差しているところが、今回のホーキンスによく似合っています。

“夏休み感”そのものが音で強くなる

第1話からすでに、これまでの秋や冬のホーキンスとは違う空気があります。軽くて、明るくて、浮かれていて、でもどこか不穏。シーズン3はこの“楽しいのに怖い”感じを、最初から音でかなりはっきり出しています。

第2話「The Mall Rats」の楽曲

Madonna「Material Girl」

流れる場面： マックスとイレブンがモールで過ごす場面の、シーズン3を代表する一曲です。

この曲の役割：
この場面はシーズン3の象徴みたいなものです。イレブンが“誰かの秘密兵器”ではなく、普通のティーンエイジャーのように買い物を楽しむ。その自由さを、一気に1980年代のポップ感で包み込むのが「Material Girl」です。1984年の大ヒット曲で、マドンナを“時代の顔”として決定づけた代表曲のひとつでもあります。歌詞の軽やかさと、消費文化をまとったキラキラ感が、スターコート・モールの世界観とほとんど一体化しています。

Foreigner「Cold As Ice」

流れる場面： スクープス・アホイまわりの軽さや、スティーブのコミカルな立ち位置を補強するような印象を残します。

この曲の役割：
Foreigner は70年代後半から80年代にかけてアメリカのFMロックを支えたバンドで、「Cold As Ice」は彼らの初期代表曲です。タイトルどおり、少し皮肉っぽくて、クールで、相手との距離を感じさせる歌。シーズン3のスティーブは、かつての人気者ポジションから少し外れた場所にいて、その微妙な温度感がこの曲とよく合います。派手すぎず、でも耳に残る。この“ちょっと大人のポップ感”も、モール時代の空気をうまく支えています。

第3話「The Case of the Missing Lifeguard」の楽曲

The Pointer Sisters「Neutron Dance」

流れる場面： 勢いよく調査が進んでいく感じと、80年代映画らしい推進力を一気に与える一曲です。

この曲の役割：
「Neutron Dance」は、タイトルからして少し変で、でもとにかく前へ進む力が強い曲です。The Pointer Sisters は、R&B、ポップ、ダンスの境界を軽やかに越えるグループで、この曲も80年代的な高揚感がとても強い。シーズン3前半は、まだホラーのど真ん中というより“夏の調査アドベンチャー”の面白さも残っていますが、その空気にこの曲はかなりよく合っています。元気で、派手で、でも少し不穏さも感じさせる、シーズン3らしい選曲です。

第4話「The Sauna Test」の楽曲

The Who「Baba O’Riley」

流れる場面： 勢い、友情、無茶、若さがまとめてぶつかってくるような場面に似合う一曲です。

この曲の役割：
ロック史に残る有名曲ですが、『ストレンジャー・シングス』で鳴ると、単なる名曲以上の意味を持ちます。イントロのシンセは少し未来っぽく、バンド演奏に入ると一気に青春の疾走感が出る。この二面性が、シーズン3の子どもたちの状態とよく重なります。もう無邪気な少年団ではないけれど、まだ無茶をして走ることはできる。そのギリギリの若さを、この曲がすごく気持ちよく押し出しています。

第5話「The Flayed」の楽曲

“明るい曲が流れているのに気持ち悪い”感覚が強まる

このあたりから、シーズン3の音楽のいちばん嫌なところが効いてきます。画面にはモールや町の日常が残っているのに、その裏では人がどんどん書き換えられていく。だから音楽の明るさが逆に怖いんです。

シーズン3の挿入歌は、ここから先“場面を盛り上げる曲”であると同時に、“見たくないものを包む曲”にもなっていきます。ポップソングで場面を軽くするのではなく、軽い音のまま嫌なものを見せる。その感覚がかなり独特です。

第6話「E Pluribus Unum」の楽曲

Corey Hart「Never Surrender」

流れる場面： シーズン3の熱量と、少し大げさなくらい真っすぐな80年代感を象徴する一曲です。

この曲の役割：
Corey Hart といえば「Sunglasses at Night」を思い出す人も多いですが、「Never Surrender」もまた彼を代表する大きな曲です。タイトルが示すとおり、徹底して“諦めるな”の歌で、メロディもサビもかなりドラマチック。シーズン3は、誰か一人が強ければいい話ではなく、みんなが持ち場で粘ることでようやく成立するシーズンなので、この曲のストレートさがよく効きます。少し青くさくて、でもその青さがかえって胸に来る。そういう80年代ポップロックの良さがそのまま出ています。

第7話「The Bite」の楽曲

“ポップさ”より“切迫感”が前に出てくる

第7話はイレブンの負傷もあり、ここまで続いていたシーズン3らしい軽快さがかなり剥がれ落ちます。音楽も、モールのきらびやかさを支える役割より、戦いの痛みや消耗感を支える役割が強くなります。

シーズン3後半の面白さは、ずっと明るく見えていた世界が、この段階でいよいよ保たなくなるところにあります。音楽もちゃんとその方向へ切り替わっていきます。だから前半のポップな曲の記憶が、ここでは逆に切なく響いてきます。

第8話「The Battle of Starcourt」の楽曲

Limahl「Never Ending Story」

流れる場面： シーズン3で最も有名な楽曲場面のひとつです。

この曲の役割：
あの場面は、シーズン3のトーンをそのまま凝縮したような瞬間です。普通なら極限の緊張感だけで押し切るところに、あえてとんでもなくポップで可笑しい寄り道を差し込む。その大胆さが、シリーズの中でもかなり異色です。Limahl の「Never Ending Story」は1984年公開映画の主題歌として有名ですが、もともと“夢と冒険”の匂いが強い曲なので、ここで使われるとシーズン3の夏休み感とメタな遊び心が一気に前へ出ます。ふざけているようで、ちゃんと作品の気分には合っている。そこがこの選曲の面白さです。

Peter Gabriel「Heroes」再登場の重み

流れる場面： シリーズを見てきた人ほど強く響く、感情の整理に近い役割を持つ場面で印象に残ります。

この曲の役割：
シーズン1でも強い印象を残した Peter Gabriel 版「Heroes」が、シーズン3でまた違う重さを持って返ってくるのが本当にうまいです。もともとこの曲は、希望と痛みが同居したような響きを持っていますが、シリーズをここまで見てきたあとだと、その混ざり方がさらに深く聞こえます。懐かしさだけではなく、積み上げられてきた喪失感と、それでも前を向こうとする感情まで引き受ける。シーズン3終盤の余韻を、かなり強く支えている一曲です。

シーズン3で特に重要な音楽モチーフ

1. モール文化の音

シーズン3をシーズン3らしくしている最大の要素のひとつが、“モールの音”です。派手で、キャッチーで、少し軽薄で、でもすごく楽しい。スターコート・モールが舞台の中心である以上、音楽もまた“消費文化のきらめき”を前に出しています。

2. ポップさとグロさの落差

今回の怖さは、暗い画面の中だけで起きるわけではありません。むしろ明るい場面、カラフルな場面、音楽が気持ちよく鳴っている場面のほうが怖いことすらある。この落差はシーズン3の大きな特徴です。

3. シリーズでいちばん“遊ぶ”音楽の使い方

シーズン3は、シリーズの中でも音楽の遊び方がいちばん大胆です。エモさだけにも、怖さだけにも寄らず、ポップカルチャーの楽しさそのものを武器にしています。そのぶん、終盤で感情に振れたときの効き方も強くなります。

まとめ：シーズン3は“音楽ごとポップになったホラー”だった

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の楽曲は、シリーズの中でもかなり印象が強いです。モール文化、恋愛、コメディ、ホラー、グロテスクさ、そして喪失感まで、全部を音で支えているからです。

とくにシーズン3は、音楽の明るさがそのまま作品の魅力になっている一方で、その明るさが恐怖を増幅する装置にもなっています。だから見返してみると、ただの懐メロプレイリストではなく、かなり緻密に作られた音のドラマだと分かります。

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン3は、これまでの“森と研究所の不気味な話”から一気にスケールを広げたシーズンです。舞台は夏休み、場所はショッピングモール、雰囲気はこれまで以上にポップ。けれど、その明るさの裏で起きていることは、シリーズの中でもかなり気味が悪い部類に入ります。

シーズン1が失踪ミステリー、シーズン2が後遺症と侵食の話だったとすると、シーズン3は“日常そのものが乗っ取られていく話”です。人間関係の変化、町の空気の変化、新しい場所の登場、そして敵の変化まで含めて、序盤に置かれた違和感が後半でかなり大きく回収されていきます。

この記事では、シーズン3の中だけで確認できる伏線と回収を、各話ごとに整理していきます。シーズン4以降の話には触れず、あくまでシーズン3を見終えたあとに振り返って楽しい内容に絞っています。

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の伏線が面白い理由

シーズン3の伏線がうまいのは、最初に見たときは“夏っぽい賑やかな要素”に見えるものが、あとから全部不穏な意味を帯びてくるところです。スターコート・モールの華やかさ、ビリーの危うさ、ラジオで拾う謎のロシア語、エルとマイクの距離感、子どもたちのちょっとした喧嘩。序盤では軽く見えるものほど、後半できっちり効いてきます。

さらにシーズン3は、怪物の脅威だけではなく、“人間関係の変化”そのものが伏線として機能します。子どもたちはもう完全な子どもではなく、恋愛や嫉妬や自立の感情が強くなっている。だからこそ、今回はモンスターとの戦いと同じくらい、人間関係の組み換えが重要です。

第1話「Suzie, Do You Copy?」の伏線と回収

1. ロシア語の無線

シーズン3の最初の大きな違和感は、ダスティンが受信する謎のロシア語通信です。最初はダスティンらしい“オタク的な大発見”にも見えますが、この無線はシーズン3全体の核心に直結しています。

回収ポイント：
この無線はスターコート・モール地下のロシア施設につながっており、スティーブ、ロビン、ダスティン、エリカのサブプロット全体を動かす起点になります。第1話の時点で、すでに“町の地下で別の話が進んでいる”ことが仕込まれていました。

2. ビリーの不穏さ

第1話から、ビリーにはいつも以上に危うい空気があります。怒りっぽさや粗暴さだけではなく、どこか“何かに引っ張られている”ような違和感があるんです。

回収ポイント：
この不穏さは、ビリーが最初に敵側へ取り込まれていく流れの前触れでした。シーズン3の怪物的な恐怖は、まずビリーという一人の人間の異変として始まります。

3. マイクとイレブンの関係の近さ

シーズン3冒頭では、マイクとイレブンの関係がかなり密接になっています。子どもたちの冒険感より、思春期の親密さのほうが前に出るくらいです。

回収ポイント：
この近さは、ホッパーの苛立ちやマックスの介入、そしてイレブンの自立へつながります。シーズン3は、エルが“誰かの彼女”だけではなく、自分の意思を持つ人物になるシーズンでもあります。

第2話「The Mall Rats」の伏線と回収

1. スターコート・モールの眩しさ

新しくできたスターコート・モールは、シーズン3の象徴です。明るくて、便利で、町の空気まで変えてしまうような場所として登場します。

回収ポイント：
このモールは単なる時代風景ではなく、物語の中心そのものになります。表向きは夏休みの新名所、実態は巨大な秘密を隠した舞台。シーズン3の“明るさの裏にある不気味さ”を最もよく体現している場所です。

2. マックスがエルを外へ連れ出す

第2話では、マックスがイレブンを“男の子中心の世界”から少し引きはがしていきます。買い物やおしゃべりという、これまでのシリーズではあまり前に出なかった要素が、一気に重要になります。

回収ポイント：
この流れは、イレブンが自分の感情を自分で選び取るようになるきっかけです。シーズン3後半で彼女が仲間を守る側に立つとき、その判断はマイクだけに依存しないものになっています。

3. 町の大人たちの気持ち悪さ

ラットの異常、住民の妙な違和感、そしてナンシーたちが追う“ただの変な話”に見える出来事。これらは最初、少しグロテスクな都市伝説のように映ります。

回収ポイント：
これらは全部、フレイされた人々と怪物の形成に結びついていきます。シーズン3では、怪物がただ襲ってくるのではなく、町の住民の異変そのものとして現れてきます。

第3話「The Case of the Missing Lifeguard」の伏線と回収

1. “行方不明のライフガード”は序章にすぎない

ヘザーの失踪は、シーズン1のウィル失踪のような大事件には見えません。けれど、この“ちょっとした違和感”の扱いがシーズン3はかなり上手いです。

回収ポイント：
ヘザーは、町の人間が敵に取り込まれていく最初期の象徴でした。ここから“人が人でなくなっていく”恐怖が前面に出てきます。

2. ジョイスの磁石問題

ジョイスが家の磁石に起きる異常にこだわる場面は、最初はちょっと変なこだわりにも見えます。

回収ポイント：
この磁気異常は、ロシア側の装置とゲートの問題につながっています。つまりシーズン3の大人パートは、ジョイスの違和感から正しく始まっているわけです。

3. ロビンの有能さ

ロビンは最初、スティーブの同僚で、口が悪くて頭の回る子くらいの立ち位置で入ってきます。

回収ポイント：
でも実際には、ロシア語暗号の解読や状況判断の面でかなり重要な役を果たします。シーズン3は新キャラの使い方がうまくて、ロビンもその代表です。

第4話「The Sauna Test」の伏線と回収

1. ビリーは本当に“ビリー”なのか

この回で、ビリーの異変は完全に疑いようのないものになります。みんなが“ビリーの中に何かいる”と認識し始める、かなり重要な回です。

回収ポイント：
サウナテストの場面で、敵が人間の姿を借りているだけではなく、肉体と意識そのものを侵食していると分かります。ここからシーズン3はホラー色を一気に強めます。

2. 子どもたちのチーム再編

第4話あたりから、今までの“いつものパーティ”ではなく、新しい組み合わせがどんどん前に出てきます。エルとマックス、マイクとウィル、ルーカスとダスティン、それぞれの距離感が微妙に変わっていきます。

回収ポイント：
終盤のシーズン3は、この再編されたチームで戦うことになります。昔の形に戻るのではなく、新しい関係で危機に立ち向かうのが今回のポイントです。

第5話「The Flayed」の伏線と回収

1. “フレイされた人々”という概念

ここでようやく、敵がどうやって町に広がっているのかが見えてきます。襲われるだけではなく、人間側が中から書き換えられている。

回収ポイント：
この設定によって、シーズン3の脅威は単なる怪物ではなく、“すでに町の中に入り込んでいるもの”として完成します。シーズン3が気持ち悪いのはここです。

2. 怪物の肉体の異様さ

今回の怪物は、シーズン1や2のような“異界から来た敵”というより、人間や生物の肉体を材料に作られた感じが強いです。

回収ポイント：
これはシーズン3のビジュアル上の大きな特徴であり、ラットの異変や住民の異変が全部ここへつながっていきます。序盤の嫌な描写が、ここで全部つながるわけです。

第6話「E Pluribus Unum」の伏線と回収

1. ビリーの記憶の中の“核”

イレブンがビリーの記憶へ入り込む場面は、シーズン3の中でもかなり重要です。怪物の側にいる人間にも、ちゃんと過去があり、傷があると分かるからです。

回収ポイント：
この記憶は最終話で大きく回収されます。ビリーが最後にどう動くかは、この時点で実は準備されていました。

2. みんなが一か所に集まる流れ

このあたりから、バラバラだった各チームの調査が、少しずつひとつの中心へ寄っていきます。

回収ポイント：
スターコート・モールが、子どもチーム、大人チーム、ロシア線、怪物線のすべてが交わる場所として機能することが明確になります。

第7話「The Bite」の伏線と回収

1. イレブンの負傷

イレブンが傷を負うことで、今回は“エルがいれば何とかなる”話ではないとはっきり分かります。ここはシーズン3終盤の緊張感を作る大きな転換点です。

回収ポイント：
イレブンの力が無限ではないこと、むしろ消耗することが、最終話の戦いの重さにつながります。今回の勝利は、エル一人の力ではなく、全員の連携でしか成立しません。

2. スティーブとロビンの関係

このシーズンで特に良いのが、スティーブとロビンの関係の変化です。最初は軽口ばかりなのに、危機の中でかなり信頼のある関係になります。

回収ポイント：
ロビンの告白によって、この関係は安易な恋愛に着地せず、もっと面白い友情へ変わります。シーズン3の人間関係の再編成を象徴するひとつです。

第8話「The Battle of Starcourt」の伏線回収

1. スターコート・モールという舞台そのもの

シーズン3でずっと華やかな背景として置かれてきたスターコート・モールは、最後に完全な戦場になります。

回収ポイント：
“消費と娯楽の象徴”だった場所が、怪物とロシアと子どもたちの戦いの場へ反転するのが、シーズン3の象徴的な着地です。

2. ビリーの最後の選択

シーズン3を通して敵側に取り込まれていたビリーですが、最後にはただの怪物の器で終わりません。

回収ポイント：
第6話で見た記憶がここで効いてきます。彼の中に残っていた人間性が最後に反応することで、シーズン3は単なる怪物退治では終わらなくなります。

3. ホッパーとジョイスの関係

今シーズンずっとすれ違っていた二人の関係も、最終話で大きな感情の核になります。

回収ポイント：
ジョイスが磁石の違和感から始めた調査が、最終的には町を救う行動に直結します。シーズン3の大人パートは、コメディっぽく始まってちゃんと心に刺さる形で終わります。

まとめ：シーズン3は“ポップな夏休みの顔をしたホラー”だった

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の伏線の面白さは、夏休み映画みたいな明るさの中に、かなり嫌な要素を忍ばせているところです。モール、恋愛、買い物、花火、アイスクリーム、アーケード。楽しいものばかり並んでいるのに、気がつくと全部が不気味な方向へつながっている。

そして最終的には、町の異常、ロシアの実験、怪物の侵食、人間関係の変化が、スターコート・モールという一か所で一気に回収されます。シーズン3は派手で、怖くて、ちょっと切なくて、シリーズの中でもかなり“娯楽作として完成度の高いシーズン”だと思います。

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン2の音楽は、シーズン1以上に“1984年の空気”を強くまとっています。アーケード、ハロウィン、ゴーストバスターズ、郊外の思春期、ニューウェーブ、パンク、メタル、シンセ。シーズン2は、物語のスケールアップに合わせて音楽の色も大きく広がりました。

ただし、この作品の楽曲は単なる懐メロではありません。シーズン2の挿入歌は、楽しい80年代感を出すだけでなく、ウィルの不穏さ、イレブンの孤独、ホーキンスに広がる異常、そして新しい人間関係の揺れを感情面から支えています。

この記事では、シーズン2で使われた楽曲をエピソード別に整理し、わかる範囲でどんな場面で流れるのか、そしてその曲がどんな意味を持っているのかをまとめます。シーズン3以降の情報には触れず、シーズン2だけで読める楽曲ガイドとして整理しました。

『ストレンジャー・シングス』シーズン2の音楽が特別な理由

シーズン2の選曲は、シーズン1以上に分かりやすく1984年らしさを打ち出しています。アーケードで鳴る軽快な曲、ハロウィンの浮かれた曲、不良っぽさを感じさせる曲、少し陰のあるニューウェーブ。楽曲だけでも、シーズン2が“世界の広がった続編”であることが分かります。Netflix Tudum のシーズン別楽曲一覧でも、シーズン2には Devo「Whip It」、Duran Duran「Girls on Film」、Bon Jovi「Runaway」などが並んでいます。

その一方で、シーズン2の音楽のうまさは、明るい曲ほど不安を深めるところにあります。みんなが楽しそうに見える場面ほど、その裏でウィルの異変や町の侵食が進んでいる。つまりシーズン2の音楽は、“楽しい80年代”と“終わっていない恐怖”を同時に鳴らしているのです。

第1話「Madmax」の楽曲

Devo「Whip It」

流れる場面： アーケードで少年たちの日常が戻ってきたように見える冒頭の空気を代表する一曲です。

この曲の役割：
軽快で少し変なテンションを持つこの曲は、シーズン2が“元気な80年代ノリで始まる”ことを宣言するように響きます。ただし、それは完全に安心できる帰還ではありません。明るさの裏に、もう前みたいには戻れない感じがずっと残っています。公式YouTube上では DEVOvision と Warner Records Vault の両方で公式MVが公開されています。

The Romantics「Talking in Your Sleep」

流れる場面： 第1話の使用曲として印象に残る一曲です。

この曲の役割：
タイトルそのものが、ウィルの異変や“無意識のうちに何かとつながっている感じ”と相性のいい楽曲です。日常が戻ったように見えて、実際にはまだ脅威が続いているというシーズン2前半の空気をよく表しています。The Romantics の公式MVとして公開ページが確認できます。 :contentReference[oaicite:3]{index=3}

Scorpions「Rock You Like a Hurricane」

流れる場面： シーズン2開幕の派手さを押し出すような印象を残す代表曲です。

この曲の役割：
直球の勢いと高揚感があり、新シーズンの始まりにぴったりの曲です。ただしシーズン2では、こういう盛り上がる曲ほど、このあと来る災厄との落差が強く効きます。Scorpions公式チャンネルの Official Video 公開ページを確認できました。

第2話「Trick or Treat, Freak」の楽曲

Duran Duran「Girls on Film」

流れる場面： ハロウィンと学校生活のきらびやかさ、1980年代カルチャーの表面を象徴するような場面で印象に残る楽曲です。

この曲の役割：
この曲が鳴ることで、シーズン2の世界はぐっとポップで華やかに見えます。でもその裏で、イレブンは孤立し、ウィルは恐怖に取り残されています。曲の華やかさが、むしろドラマの不穏さを際立たせています。Duran Duran 公式の「Girls on Film (Official Music Video)」公開ページを確認できたので、シーズン2記事でも埋め込み候補に入れられます。

ハロウィン回らしい音楽の使い方

第2話は、仮装や学校行事の楽しさと、本物の恐怖が隣り合う回です。軽さのある曲が鳴るほど、“この町にはまだ何かがおかしいものが残っている”感じが強まります。シーズン2前半の音楽設計がよく分かる回でもあります。

第3話「The Pollywog」の楽曲

Jim Croce「You Don’t Mess Around with Jim」

流れる場面： 第3話の印象的な使用曲のひとつです。

この曲の役割：
少しおどけた雰囲気のある曲ですが、シーズン2では“危険なものを甘く見るな”という皮肉な響き方をします。ダートをかわいいものとして扱ってしまうダスティンの感覚と重ねてみると、かなり意味深な選曲です。

Psychedelic Furs「The Ghost in You」

流れる場面： 第3話を代表する雰囲気のある一曲です。

この曲の役割：
タイトルどおり、“何かが自分の中にいる”というシーズン2のモチーフと非常に相性がいい曲です。ウィルの不安を直接説明するわけではありませんが、シーズン2前半の幽霊のような不穏さを音楽で補強しています。The Psychedelic Furs の公式動画ページが確認できたため、この曲も埋め込み対象にできます。

そのほかの第3話使用曲

• Ill Repute「Cortez」
• The Al Casey Combo「Cookin’」
• Jumpstreet「How I Feel About You」

第3話は、かわいさ、不気味さ、青春感、違和感が混ざり合う回です。楽曲も同じように、ひとつのトーンで統一せず、少しずつ危険の輪郭を見せていきます。

第4話「Will the Wise」の楽曲

The Clash「This Is Radio Clash」

流れる場面： 第4話の使用曲として印象に残る一曲です。

この曲の役割：
シーズン1で「Should I Stay or Should I Go」がウィルの記号になっていた流れを思い出させるように、この曲もまた“通信”や“接続”のイメージと相性がいいです。第4話は、ウィルの絵や異常がみんなをつなぐ情報になっていく回なので、曲名まで含めて象徴的です。The Clash 公式チャンネルの Official Video 公開ページを確認できました。

Paul Engemann「Scarface (Push It to the Limit)」

流れる場面： 80年代らしい過剰さと勢いを強く感じさせる曲として使われています。

この曲の役割：
ポップで派手な80年代感を前に出しつつ、その裏ではウィルの状態はどんどん悪化しています。このギャップがシーズン2前半の怖さです。

第5話「Dig Dug」の楽曲

Philip Glass Ensemble「Open the Kingdom (Liquid Days, Part II)」

流れる場面： 第5話の印象的な楽曲のひとつです。

この曲の役割：
第5話は、地上の人間ドラマと地下の巨大構造が結びつく回です。この曲の広がりのある響きは、ホーキンスの問題が一気に深く、大きく見えてくる感覚とよく合っています。

そのほかの第5話使用曲

• Carroll Lloyd「Try My Love」
• Bobby Bare「Green, Green Grass of Home」
• Shock Therapy「Can I Do What I Want」
• Hittman「Metal Sport」
• Robert Görl「Darling Don’t Leave Me」
• The Jetzons「When the Sun Goes Down」
• Channel 3「Strength in Numbers」
• Billie Holiday「No More」

第5話は、音楽のバリエーションが広いのも特徴です。町の複数の視点や感情の層が、楽曲の幅にも表れています。

第6話「The Spy」の楽曲

第6話は、スティーブとダスティンのバディ感、ダートの危険性、ウィルの“スパイ”としての恐ろしさが一気に前面に出る回です。前半の軽さと後半の危機感がはっきり分かれ始めるので、音楽の使い方もシーズン2の中間地点として印象的です。

この回は、青春ノリの軽さが完全には消えない一方で、もうそれだけでは済まない緊張感が支配し始めています。シーズン2の“明るさと不穏さの二重構造”がよく分かる回です。

第7話「The Lost Sister」の楽曲

Bon Jovi「Runaway」

流れる場面： 第7話の空気を象徴する代表曲です。

この曲の役割：
タイトルどおり、この回のイレブンはホーキンスを離れ、“家出した少女”のようなかたちで描かれます。ホーキンスの郊外ホラーとは違う、都会的で反抗的な空気を一気に作る曲です。Bon Jovi 公式の「Runaway (Official Music Video)」公開ページを確認できました。

Fad Gadget「Back to Nature」

流れる場面： 第7話の異質さを支える印象的な一曲です。

この曲の役割：
第7話は、他のエピソードとはまるで別の作品のように見える瞬間があります。その違和感を支えているのが、こうした荒くて反抗的な音楽です。シーズン2全体のなかでも、この回だけ音楽の温度が大きく変わります。

第8話「The Mind Flayer」の音楽

第8話は研究所内のサバイバルとイレブン帰還のカタルシスが同時に来る回です。音楽もまた、パニック映画の緊張感と、“仲間が戻ってきた”という感情の解放を同時に支えています。

ここでは、ただ怖がらせるための音ではなく、絶望的な状況の中で誰が誰を助けようとしているのかを強く印象づける役割が大きくなります。シーズン2後半の音楽は、恐怖だけでなく連帯の感情もかなり前に出てきます。

第9話「The Gate」の音楽

最終話の音楽は、地下の作戦、ホッパーとイレブンの再接続、ゲート閉鎖、そして最後の余韻までをひとつにまとめる役割を持っています。ホラー、青春、郷愁の全部を一度に鳴らして、シーズン2の着地点を作る回です。

シーズン1の最終話が“事件の決着”に強く寄っていたのに対し、シーズン2の最終話は“新しい関係性の完成”にも重心があります。そのため音楽も、恐怖の伴奏だけでなく、人間関係の余韻を残す働きが強いです。

シーズン2で特に重要な音楽モチーフ

1. “明るい80年代”と“侵食されるホーキンス”のギャップ

「Whip It」「Girls on Film」「Rock You Like a Hurricane」のような曲は、聞いた瞬間に1984年の活気を作ります。でもその裏では、畑が腐り、ウィルが壊れ始め、地下では何かが広がっています。シーズン2の挿入歌は、このギャップで効かせるものが多いです。

2. 接続と侵入の感覚

シーズン1ほど明確な一曲の反復ではないものの、シーズン2でも音楽は“つながること”と“侵入されること”の感覚に近い位置で使われています。ウィルの状態や、地下で広がる存在感を考えると、音楽もまた境界の曖昧さを支える要素になっています。

3. 第7話だけ別作品のように聞こえること

第7話「The Lost Sister」は、シーズン2の中でも特に異質な回です。音楽もその異質さを支えていて、ホーキンスの郊外ホラーから、都市の反抗劇へ一時的にチャンネルを変える役割を果たしています。Bon Jovi の公式MV公開ページも、その“80年代ど真ん中の外部世界”感と相性がいいです。

まとめ：シーズン2は“スケールアップした80年代ミックス”を音でもやっている

『ストレンジャー・シングス』シーズン2の音楽は、シーズン1の延長でありながら、より派手で、より分かりやすく1984年らしさを押し出しています。アーケード、ハロウィン、パーティ、不良、シカゴ編まで含めて、音楽で世界の広がりが表現されています。

それでも根本は変わりません。この作品の音楽は、ただ懐かしいだけではなく、人物の孤独や恐怖、そしてつながりを支えるために置かれています。シーズン2はそのやり方がさらに多彩になったシーズンで、見返すと“音で作っている感情”がかなり多いことに気づけます。

『ストレンジャー・シングス』シーズン1楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド

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シーズン別の伏線・楽曲・オマージュ記事は、こちらの総合ガイドにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン1は、物語の面白さだけでなく、挿入歌や劇伴の使い方でも高く評価されている作品です。特に「Should I Stay or Should I Go」や「Heroes」などの印象的な楽曲は、単なるBGMではなく、登場人物の感情や物語の伏線と深く結びついています。この記事では、シーズン1で使われた楽曲をエピソード別に整理し、使用場面や意味をネタバレを抑えながらわかりやすく解説します。

『ストレンジャー・シングス』シーズン1が特別なのは、物語や演出だけではありません。80年代ポップス、ニューウェーブ、ポストパンク、シンセ主体の劇伴が絶妙に組み合わさることで、ホーキンスの不穏さ、子どもたちの冒険感、そして家族の喪失感が強く印象づけられています。

この記事では、シーズン1の楽曲をエピソード別に整理し、わかる範囲でどんな場面で流れるのか、そしてその曲がどんな意味を持っているのかをまとめます。シーズン2以降の情報には触れず、シーズン1だけで完結するガイドとして読めるように構成しました。

『ストレンジャー・シングス』シーズン1の音楽が特別な理由

この作品の音楽は、懐かしい80年代ヒットを並べているだけではありません。挿入歌は、キャラクターの心理や関係性を補強したり、ある曲そのものを物語上の記号にしたりしています。特にシーズン1では、ある曲が“誰かの不在を思い出させる合図”として繰り返し機能するため、音楽が脚本の一部になっています。

また、劇伴を担当するカイル・ディクソン＆マイケル・スタインのシンセスコアが、80年代ホラーやSFへのオマージュを現代的に再構築しており、挿入歌と劇伴が一体になって作品世界を支えています。

第1話「ウィル・バイヤーズの失踪」の楽曲

Toto「Africa」

流れる場面： 嵐が始まる場面で印象的に使われる代表曲。

この曲の役割：
どこか大きくて開けたポップスなのに、不穏な出来事の始まりに重なることで、ホーキンスの日常が少しずつズレていく感覚を生み出します。第1話らしい「まだ普通の世界に見えるのに、もう何かがおかしい」という空気づくりに効いています。

そのほかの第1話使用曲

• The Seeds「Can’t Seem to Make You Mine」
• Jefferson Airplane「She Has Funny Cars」
• Jefferson Airplane「White Rabbit」

第1話はまだ“事件の導入”なので、楽曲も作品世界の輪郭を整える役割が強めです。選曲の時点で、サイケ、ロック、80年代への入り口が混在していて、単なるノスタルジー作品ではないことが分かります。

第2話「メープル通りの変わり者」の楽曲

The Clash「Should I Stay or Should I Go」

流れる場面： シーズン1ではこの曲がウィルと家族を結ぶ重要なモチーフとして機能し始めます。

この曲の役割：
シーズン1において最重要のポップソングです。単なる劇中歌ではなく、記憶、家族、つながり、不在の痛みを背負った“合図”になります。以後この曲が流れるたびに、視聴者はウィルの存在を意識するようになります。

The Bangles「Hazy Shade of Winter」

流れる場面： 第2話の使用曲として確認されている代表的な1曲。

この曲の役割：
タイトルどおり、季節感と不穏さの両方を抱えた選曲です。ホーキンスの空気が“普通の町の秋冬”から、“どこか冷えた別世界の入口”へ変わっていく感じを補強します。

そのほかの第2話使用曲

• Modern English「I Melt with You」
• Trooper「Raise a Little Hell」

第2話は、イレブンが“ただの迷子の子”ではなく、ウィル失踪の核心につながる存在だと分かり始める回です。楽曲も、まだ世界が完全に崩れてはいないけれど、不穏さがじわじわ拡大していくバランスで置かれています。

第3話「悲しみのクリスマス」の楽曲

Peter Gabriel「Heroes」

流れる場面： 第3話の感情的な転換点を支える代表曲。

この曲の役割：
『ストレンジャー・シングス』の音楽使いを象徴する1曲です。希望の歌であるはずなのに、喪失や痛みと重ねることで、単純な感動では終わらない複雑な余韻を生みます。シーズン1の“悲しみの中に希望が混ざる感じ”を最もよく表す選曲のひとつです。

補足：
劇中で使われているのは、David Bowieの原曲ではなく、Peter Gabrielによるカバー版「Heroes」です。

Foreigner「I’ve Been Waiting for a Girl Like You」

流れる場面： ナンシーとスティーブの親密さを包む場面で印象的に機能。

この曲の役割：
ロマンティックな曲ではありますが、この作品では無邪気な幸福感だけを演出しているわけではありません。青春映画らしい甘さの裏で、嫌な予感がずっと消えないのが『ストレンジャー・シングス』らしいところです。

第4話「遺体」の楽曲

Joy Division「Atmosphere」

流れる場面： ウィルの“死”が町を覆うような、喪失感の強い流れで印象づけられる1曲。

この曲の役割：
第4話のテーマは悲嘆と違和感です。みんなが死を受け入れようとする一方で、ジョイスだけは受け入れません。この曲は、ただの悲しい場面ではなく、“何かがおかしいまま進んでいる葬送感”を強くしています。

The Clash「Should I Stay or Should I Go」

流れる場面： 無線越しにウィルの歌声として結びつく重要場面。

この曲の役割：
ここでこの曲は完全に“ウィルのシグナル”になります。もはや背景音楽ではなく、物語上の手掛かりそのものです。

そのほかの第4話使用曲

• The Deep「Color Dreams」

第5話「ノミと曲芸師」の楽曲

New Order「Elegia」

流れる場面： ウィルの葬儀の場面。

この曲の役割：
非常に象徴的な選曲です。静かで、感情を煽りすぎず、それでいて取り返しのつかなさだけが強く残ります。『ストレンジャー・シングス』シーズン1の悲しみは、泣かせに来るメロドラマではなく、“受け入れられない喪失感”として描かれますが、その感覚をこの曲が見事に支えています。

Steve（Joe Keery）による「Old Time Rock and Roll」

流れる場面： 第5話のなかで軽さや若さを感じさせる瞬間に置かれる楽曲。

この曲の役割：
シリアス一辺倒になりすぎないよう、80年代青春映画の空気を一瞬差し込む働きがあります。こうした軽さがあるからこそ、異常事態の怖さも引き立ちます。

第6話「モンスター」の楽曲

Tangerine Dream「Exit」

流れる場面： ジョナサンとスティーブの衝突シーンで使われる楽曲。

この曲の役割：
感情のぶつかり合いに、ただの青春ドラマではない硬質な緊張感を与えます。『ストレンジャー・シングス』は、ティーンの衝突さえも80年代SF・ホラーの質感で包んでしまうのが面白いところです。

そのほかの第6話使用曲

• Dolly Parton「The Bargain Store」
• Brahms「Symphony No. 4」

第6話は、異界と現実の境界がさらに崩れ、研究所の不穏さも増していく回です。選曲も、ポップさより緊張感や異物感が強まります。

第7話「浴槽」の楽曲

Vangelis「Fields of Coral」

流れる場面： 手作りの感覚遮断タンクを組み立てる場面。

この曲の役割：
この場面は、子どもたちの冒険心とSF感が最も美しく噛み合う瞬間のひとつです。即席の装置なのに、そこに“本当に別世界へ手を伸ばそうとしている感じ”が出るのは、この曲の力も大きいです。

「Should I Stay or Should I Go」(Willの歌唱版)

流れる場面： ウィルの存在を直接感じさせるかたちで響くバージョン。

この曲の役割：
ここまで来ると、この曲は完全にシーズン1の心臓部です。ポップソングでありながら、家族の記憶、居場所、帰還への願いを一度に背負う曲になっています。

第8話「裏側の世界」の音楽について

第8話には独立したサントラ登録ページがありますが、公開検索だけでは曲名一覧の場面特定まで十分に取れないものがありました。そのため、ここでは無理に断定せず、最終話全体の音の使い方に絞ってまとめます。

最終話の音楽は、これまで積み上げてきた喪失感、友情、恐怖、決意を一気に決着へ向かわせる役割を担っています。派手に盛り上げるというより、シンセ主体の劇伴と挿入歌の余韻で“ここまでの全部が最後につながる”感覚を作るのが印象的です。

シーズン1で最も重要な曲はなぜ「Should I Stay or Should I Go」なのか

シーズン1の楽曲を1曲だけ挙げるなら、やはり The Clash の「Should I Stay or Should I Go」です。

この曲が特別なのは、懐かしい名曲だからではありません。『ストレンジャー・シングス』シーズン1では、この曲が記憶の曲であり、不在の曲であり、“まだそこにいる”ことを知らせる曲として機能するからです。

つまりこの曲は、BGMではなく、脚本の一部です。作品の外から鳴る音楽ではなく、物語の内部で意味を持つ“符号”になっています。

劇伴も含めて見ると、シーズン1の音楽は“世界観そのもの”になっている

挿入歌ばかりに注目が集まりがちですが、シーズン1の魅力は劇伴抜きでは語れません。シンセの冷たさ、不穏な持続音、じわじわ広がるような音像があるからこそ、ホーキンスという町が“日常の顔をした異常空間”として成立しています。

ポップソングは感情や時代感を与え、劇伴は異界の気配を与える。この二層構造が、『ストレンジャー・シングス』シーズン1の音楽を特別なものにしています。

まとめ：シーズン1は“音楽込みで完成するドラマ”

『ストレンジャー・シングス』シーズン1は、ストーリーだけ追っても十分面白い作品です。ただ、音楽に意識を向けると見え方がかなり変わります。どの曲がどの場面で鳴るのかを意識すると、キャラクターの感情や伏線の置き方がもっとはっきり伝わってきます。

とくに「Should I Stay or Should I Go」と「Heroes」は、シーズン1の感情の核に深く関わる曲です。次に見返すときは、怪物や研究所だけでなく、ぜひ“音楽がどんな意味を持っているか”にも注目してみてください。

シーズン別の伏線・楽曲・オマージュ記事は、こちらの総合ガイドにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

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