Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン3の音楽は、シリーズの中でもひときわ派手です。シーズン1と2が“80年代の空気”をじわっとまとっていたとすれば、シーズン3はそこからさらに一歩進んで、“1985年のポップカルチャーそのもの”を前面に押し出してきます。

スターコート・モール、夏休み、ネオン、アイスクリーム、花火、若者たちの恋愛。画面が明るくなったぶん、音楽もずっとキャッチーで、親しみやすくて、耳に残るものが増えました。けれど、このシーズンで鳴る曲は、ただ夏っぽくて気持ちいいだけではありません。軽やかなポップソングが流れているのに、画面の裏ではかなり気味の悪いことが起きている。その落差こそが、シーズン3の音楽の面白さです。

この記事では、シーズン3で使われた楽曲をエピソード別に整理し、どんな場面で印象に残るのか、そしてその曲がどんな意味を持っていたのかを振り返っていきます。シーズン4以降の情報は混ぜず、シーズン3だけで読める楽曲ガイドとしてまとめました。

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の音楽が特別な理由

シーズン3の選曲は、とにかく“夏”です。しかもただの夏ではなく、ショッピングモール文化が全開だった1980年代半ばの夏。ポップで、派手で、少し軽薄で、でもたまらなく楽しい。今回の音楽は、ホーキンスの新しい顔――つまりスターコート・モールの顔――を、そのまま音にしたようなところがあります。

一方で、今シーズンの恐怖は、暗い場所だけで起きるわけではありません。むしろ明るくて、開放的で、音楽が気持ちよく鳴っている場所ほど嫌なことが起きる。その意味でシーズン3の楽曲は、恐怖を薄めるためではなく、むしろ不穏さを際立たせるために使われています。

第1話「Suzie, Do You Copy?」の楽曲

The Cars「Moving in Stereo」

流れる場面： シーズン3の幕開けらしい、少し艶っぽくて気だるい夏の空気を感じさせる場面で印象に残る一曲です。

この曲の役割：
The Cars は、ニューウェーブ寄りの冷たさとポップさを同時に持ったバンドで、「Moving in Stereo」もその魅力がよく出ています。シーズン3冒頭は、恋愛の気配や思春期の距離感がこれまで以上に前に出ますが、この曲はそうした“ちょっと大人びた夏”の感じにぴったりです。気持ちよく流れるのに、どこか薄く不安が差しているところが、今回のホーキンスによく似合っています。

“夏休み感”そのものが音で強くなる

第1話からすでに、これまでの秋や冬のホーキンスとは違う空気があります。軽くて、明るくて、浮かれていて、でもどこか不穏。シーズン3はこの“楽しいのに怖い”感じを、最初から音でかなりはっきり出しています。

第2話「The Mall Rats」の楽曲

Madonna「Material Girl」

流れる場面： マックスとイレブンがモールで過ごす場面の、シーズン3を代表する一曲です。

この曲の役割：
この場面はシーズン3の象徴みたいなものです。イレブンが“誰かの秘密兵器”ではなく、普通のティーンエイジャーのように買い物を楽しむ。その自由さを、一気に1980年代のポップ感で包み込むのが「Material Girl」です。1984年の大ヒット曲で、マドンナを“時代の顔”として決定づけた代表曲のひとつでもあります。歌詞の軽やかさと、消費文化をまとったキラキラ感が、スターコート・モールの世界観とほとんど一体化しています。

Foreigner「Cold As Ice」

流れる場面： スクープス・アホイまわりの軽さや、スティーブのコミカルな立ち位置を補強するような印象を残します。

この曲の役割：
Foreigner は70年代後半から80年代にかけてアメリカのFMロックを支えたバンドで、「Cold As Ice」は彼らの初期代表曲です。タイトルどおり、少し皮肉っぽくて、クールで、相手との距離を感じさせる歌。シーズン3のスティーブは、かつての人気者ポジションから少し外れた場所にいて、その微妙な温度感がこの曲とよく合います。派手すぎず、でも耳に残る。この“ちょっと大人のポップ感”も、モール時代の空気をうまく支えています。

第3話「The Case of the Missing Lifeguard」の楽曲

The Pointer Sisters「Neutron Dance」

流れる場面： 勢いよく調査が進んでいく感じと、80年代映画らしい推進力を一気に与える一曲です。

この曲の役割：
「Neutron Dance」は、タイトルからして少し変で、でもとにかく前へ進む力が強い曲です。The Pointer Sisters は、R&B、ポップ、ダンスの境界を軽やかに越えるグループで、この曲も80年代的な高揚感がとても強い。シーズン3前半は、まだホラーのど真ん中というより“夏の調査アドベンチャー”の面白さも残っていますが、その空気にこの曲はかなりよく合っています。元気で、派手で、でも少し不穏さも感じさせる、シーズン3らしい選曲です。

第4話「The Sauna Test」の楽曲

The Who「Baba O’Riley」

流れる場面： 勢い、友情、無茶、若さがまとめてぶつかってくるような場面に似合う一曲です。

この曲の役割：
ロック史に残る有名曲ですが、『ストレンジャー・シングス』で鳴ると、単なる名曲以上の意味を持ちます。イントロのシンセは少し未来っぽく、バンド演奏に入ると一気に青春の疾走感が出る。この二面性が、シーズン3の子どもたちの状態とよく重なります。もう無邪気な少年団ではないけれど、まだ無茶をして走ることはできる。そのギリギリの若さを、この曲がすごく気持ちよく押し出しています。

第5話「The Flayed」の楽曲

“明るい曲が流れているのに気持ち悪い”感覚が強まる

このあたりから、シーズン3の音楽のいちばん嫌なところが効いてきます。画面にはモールや町の日常が残っているのに、その裏では人がどんどん書き換えられていく。だから音楽の明るさが逆に怖いんです。

シーズン3の挿入歌は、ここから先“場面を盛り上げる曲”であると同時に、“見たくないものを包む曲”にもなっていきます。ポップソングで場面を軽くするのではなく、軽い音のまま嫌なものを見せる。その感覚がかなり独特です。

第6話「E Pluribus Unum」の楽曲

Corey Hart「Never Surrender」

流れる場面： シーズン3の熱量と、少し大げさなくらい真っすぐな80年代感を象徴する一曲です。

この曲の役割：
Corey Hart といえば「Sunglasses at Night」を思い出す人も多いですが、「Never Surrender」もまた彼を代表する大きな曲です。タイトルが示すとおり、徹底して“諦めるな”の歌で、メロディもサビもかなりドラマチック。シーズン3は、誰か一人が強ければいい話ではなく、みんなが持ち場で粘ることでようやく成立するシーズンなので、この曲のストレートさがよく効きます。少し青くさくて、でもその青さがかえって胸に来る。そういう80年代ポップロックの良さがそのまま出ています。

第7話「The Bite」の楽曲

“ポップさ”より“切迫感”が前に出てくる

第7話はイレブンの負傷もあり、ここまで続いていたシーズン3らしい軽快さがかなり剥がれ落ちます。音楽も、モールのきらびやかさを支える役割より、戦いの痛みや消耗感を支える役割が強くなります。

シーズン3後半の面白さは、ずっと明るく見えていた世界が、この段階でいよいよ保たなくなるところにあります。音楽もちゃんとその方向へ切り替わっていきます。だから前半のポップな曲の記憶が、ここでは逆に切なく響いてきます。

第8話「The Battle of Starcourt」の楽曲

Limahl「Never Ending Story」

流れる場面： シーズン3で最も有名な楽曲場面のひとつです。

この曲の役割：
あの場面は、シーズン3のトーンをそのまま凝縮したような瞬間です。普通なら極限の緊張感だけで押し切るところに、あえてとんでもなくポップで可笑しい寄り道を差し込む。その大胆さが、シリーズの中でもかなり異色です。Limahl の「Never Ending Story」は1984年公開映画の主題歌として有名ですが、もともと“夢と冒険”の匂いが強い曲なので、ここで使われるとシーズン3の夏休み感とメタな遊び心が一気に前へ出ます。ふざけているようで、ちゃんと作品の気分には合っている。そこがこの選曲の面白さです。

Peter Gabriel「Heroes」再登場の重み

流れる場面： シリーズを見てきた人ほど強く響く、感情の整理に近い役割を持つ場面で印象に残ります。

この曲の役割：
シーズン1でも強い印象を残した Peter Gabriel 版「Heroes」が、シーズン3でまた違う重さを持って返ってくるのが本当にうまいです。もともとこの曲は、希望と痛みが同居したような響きを持っていますが、シリーズをここまで見てきたあとだと、その混ざり方がさらに深く聞こえます。懐かしさだけではなく、積み上げられてきた喪失感と、それでも前を向こうとする感情まで引き受ける。シーズン3終盤の余韻を、かなり強く支えている一曲です。

シーズン3で特に重要な音楽モチーフ

1. モール文化の音

シーズン3をシーズン3らしくしている最大の要素のひとつが、“モールの音”です。派手で、キャッチーで、少し軽薄で、でもすごく楽しい。スターコート・モールが舞台の中心である以上、音楽もまた“消費文化のきらめき”を前に出しています。

2. ポップさとグロさの落差

今回の怖さは、暗い画面の中だけで起きるわけではありません。むしろ明るい場面、カラフルな場面、音楽が気持ちよく鳴っている場面のほうが怖いことすらある。この落差はシーズン3の大きな特徴です。

3. シリーズでいちばん“遊ぶ”音楽の使い方

シーズン3は、シリーズの中でも音楽の遊び方がいちばん大胆です。エモさだけにも、怖さだけにも寄らず、ポップカルチャーの楽しさそのものを武器にしています。そのぶん、終盤で感情に振れたときの効き方も強くなります。

まとめ：シーズン3は“音楽ごとポップになったホラー”だった

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の楽曲は、シリーズの中でもかなり印象が強いです。モール文化、恋愛、コメディ、ホラー、グロテスクさ、そして喪失感まで、全部を音で支えているからです。

とくにシーズン3は、音楽の明るさがそのまま作品の魅力になっている一方で、その明るさが恐怖を増幅する装置にもなっています。だから見返してみると、ただの懐メロプレイリストではなく、かなり緻密に作られた音のドラマだと分かります。

『ストレンジャー・シングス』シーズン3伏線回収・解説完全ガイド

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シーズン別の伏線・楽曲・オマージュ記事は、こちらの総合ガイドにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン3は、これまでの“森と研究所の不気味な話”から一気にスケールを広げたシーズンです。舞台は夏休み、場所はショッピングモール、雰囲気はこれまで以上にポップ。けれど、その明るさの裏で起きていることは、シリーズの中でもかなり気味が悪い部類に入ります。

シーズン1が失踪ミステリー、シーズン2が後遺症と侵食の話だったとすると、シーズン3は“日常そのものが乗っ取られていく話”です。人間関係の変化、町の空気の変化、新しい場所の登場、そして敵の変化まで含めて、序盤に置かれた違和感が後半でかなり大きく回収されていきます。

この記事では、シーズン3の中だけで確認できる伏線と回収を、各話ごとに整理していきます。シーズン4以降の話には触れず、あくまでシーズン3を見終えたあとに振り返って楽しい内容に絞っています。

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の伏線が面白い理由

シーズン3の伏線がうまいのは、最初に見たときは“夏っぽい賑やかな要素”に見えるものが、あとから全部不穏な意味を帯びてくるところです。スターコート・モールの華やかさ、ビリーの危うさ、ラジオで拾う謎のロシア語、エルとマイクの距離感、子どもたちのちょっとした喧嘩。序盤では軽く見えるものほど、後半できっちり効いてきます。

さらにシーズン3は、怪物の脅威だけではなく、“人間関係の変化”そのものが伏線として機能します。子どもたちはもう完全な子どもではなく、恋愛や嫉妬や自立の感情が強くなっている。だからこそ、今回はモンスターとの戦いと同じくらい、人間関係の組み換えが重要です。

第1話「Suzie, Do You Copy?」の伏線と回収

1. ロシア語の無線

シーズン3の最初の大きな違和感は、ダスティンが受信する謎のロシア語通信です。最初はダスティンらしい“オタク的な大発見”にも見えますが、この無線はシーズン3全体の核心に直結しています。

回収ポイント：
この無線はスターコート・モール地下のロシア施設につながっており、スティーブ、ロビン、ダスティン、エリカのサブプロット全体を動かす起点になります。第1話の時点で、すでに“町の地下で別の話が進んでいる”ことが仕込まれていました。

2. ビリーの不穏さ

第1話から、ビリーにはいつも以上に危うい空気があります。怒りっぽさや粗暴さだけではなく、どこか“何かに引っ張られている”ような違和感があるんです。

回収ポイント：
この不穏さは、ビリーが最初に敵側へ取り込まれていく流れの前触れでした。シーズン3の怪物的な恐怖は、まずビリーという一人の人間の異変として始まります。

3. マイクとイレブンの関係の近さ

シーズン3冒頭では、マイクとイレブンの関係がかなり密接になっています。子どもたちの冒険感より、思春期の親密さのほうが前に出るくらいです。

回収ポイント：
この近さは、ホッパーの苛立ちやマックスの介入、そしてイレブンの自立へつながります。シーズン3は、エルが“誰かの彼女”だけではなく、自分の意思を持つ人物になるシーズンでもあります。

第2話「The Mall Rats」の伏線と回収

1. スターコート・モールの眩しさ

新しくできたスターコート・モールは、シーズン3の象徴です。明るくて、便利で、町の空気まで変えてしまうような場所として登場します。

回収ポイント：
このモールは単なる時代風景ではなく、物語の中心そのものになります。表向きは夏休みの新名所、実態は巨大な秘密を隠した舞台。シーズン3の“明るさの裏にある不気味さ”を最もよく体現している場所です。

2. マックスがエルを外へ連れ出す

第2話では、マックスがイレブンを“男の子中心の世界”から少し引きはがしていきます。買い物やおしゃべりという、これまでのシリーズではあまり前に出なかった要素が、一気に重要になります。

回収ポイント：
この流れは、イレブンが自分の感情を自分で選び取るようになるきっかけです。シーズン3後半で彼女が仲間を守る側に立つとき、その判断はマイクだけに依存しないものになっています。

3. 町の大人たちの気持ち悪さ

ラットの異常、住民の妙な違和感、そしてナンシーたちが追う“ただの変な話”に見える出来事。これらは最初、少しグロテスクな都市伝説のように映ります。

回収ポイント：
これらは全部、フレイされた人々と怪物の形成に結びついていきます。シーズン3では、怪物がただ襲ってくるのではなく、町の住民の異変そのものとして現れてきます。

第3話「The Case of the Missing Lifeguard」の伏線と回収

1. “行方不明のライフガード”は序章にすぎない

ヘザーの失踪は、シーズン1のウィル失踪のような大事件には見えません。けれど、この“ちょっとした違和感”の扱いがシーズン3はかなり上手いです。

回収ポイント：
ヘザーは、町の人間が敵に取り込まれていく最初期の象徴でした。ここから“人が人でなくなっていく”恐怖が前面に出てきます。

2. ジョイスの磁石問題

ジョイスが家の磁石に起きる異常にこだわる場面は、最初はちょっと変なこだわりにも見えます。

回収ポイント：
この磁気異常は、ロシア側の装置とゲートの問題につながっています。つまりシーズン3の大人パートは、ジョイスの違和感から正しく始まっているわけです。

3. ロビンの有能さ

ロビンは最初、スティーブの同僚で、口が悪くて頭の回る子くらいの立ち位置で入ってきます。

回収ポイント：
でも実際には、ロシア語暗号の解読や状況判断の面でかなり重要な役を果たします。シーズン3は新キャラの使い方がうまくて、ロビンもその代表です。

第4話「The Sauna Test」の伏線と回収

1. ビリーは本当に“ビリー”なのか

この回で、ビリーの異変は完全に疑いようのないものになります。みんなが“ビリーの中に何かいる”と認識し始める、かなり重要な回です。

回収ポイント：
サウナテストの場面で、敵が人間の姿を借りているだけではなく、肉体と意識そのものを侵食していると分かります。ここからシーズン3はホラー色を一気に強めます。

2. 子どもたちのチーム再編

第4話あたりから、今までの“いつものパーティ”ではなく、新しい組み合わせがどんどん前に出てきます。エルとマックス、マイクとウィル、ルーカスとダスティン、それぞれの距離感が微妙に変わっていきます。

回収ポイント：
終盤のシーズン3は、この再編されたチームで戦うことになります。昔の形に戻るのではなく、新しい関係で危機に立ち向かうのが今回のポイントです。

第5話「The Flayed」の伏線と回収

1. “フレイされた人々”という概念

ここでようやく、敵がどうやって町に広がっているのかが見えてきます。襲われるだけではなく、人間側が中から書き換えられている。

回収ポイント：
この設定によって、シーズン3の脅威は単なる怪物ではなく、“すでに町の中に入り込んでいるもの”として完成します。シーズン3が気持ち悪いのはここです。

2. 怪物の肉体の異様さ

今回の怪物は、シーズン1や2のような“異界から来た敵”というより、人間や生物の肉体を材料に作られた感じが強いです。

回収ポイント：
これはシーズン3のビジュアル上の大きな特徴であり、ラットの異変や住民の異変が全部ここへつながっていきます。序盤の嫌な描写が、ここで全部つながるわけです。

第6話「E Pluribus Unum」の伏線と回収

1. ビリーの記憶の中の“核”

イレブンがビリーの記憶へ入り込む場面は、シーズン3の中でもかなり重要です。怪物の側にいる人間にも、ちゃんと過去があり、傷があると分かるからです。

回収ポイント：
この記憶は最終話で大きく回収されます。ビリーが最後にどう動くかは、この時点で実は準備されていました。

2. みんなが一か所に集まる流れ

このあたりから、バラバラだった各チームの調査が、少しずつひとつの中心へ寄っていきます。

回収ポイント：
スターコート・モールが、子どもチーム、大人チーム、ロシア線、怪物線のすべてが交わる場所として機能することが明確になります。

第7話「The Bite」の伏線と回収

1. イレブンの負傷

イレブンが傷を負うことで、今回は“エルがいれば何とかなる”話ではないとはっきり分かります。ここはシーズン3終盤の緊張感を作る大きな転換点です。

回収ポイント：
イレブンの力が無限ではないこと、むしろ消耗することが、最終話の戦いの重さにつながります。今回の勝利は、エル一人の力ではなく、全員の連携でしか成立しません。

2. スティーブとロビンの関係

このシーズンで特に良いのが、スティーブとロビンの関係の変化です。最初は軽口ばかりなのに、危機の中でかなり信頼のある関係になります。

回収ポイント：
ロビンの告白によって、この関係は安易な恋愛に着地せず、もっと面白い友情へ変わります。シーズン3の人間関係の再編成を象徴するひとつです。

第8話「The Battle of Starcourt」の伏線回収

1. スターコート・モールという舞台そのもの

シーズン3でずっと華やかな背景として置かれてきたスターコート・モールは、最後に完全な戦場になります。

回収ポイント：
“消費と娯楽の象徴”だった場所が、怪物とロシアと子どもたちの戦いの場へ反転するのが、シーズン3の象徴的な着地です。

2. ビリーの最後の選択

シーズン3を通して敵側に取り込まれていたビリーですが、最後にはただの怪物の器で終わりません。

回収ポイント：
第6話で見た記憶がここで効いてきます。彼の中に残っていた人間性が最後に反応することで、シーズン3は単なる怪物退治では終わらなくなります。

3. ホッパーとジョイスの関係

今シーズンずっとすれ違っていた二人の関係も、最終話で大きな感情の核になります。

回収ポイント：
ジョイスが磁石の違和感から始めた調査が、最終的には町を救う行動に直結します。シーズン3の大人パートは、コメディっぽく始まってちゃんと心に刺さる形で終わります。

まとめ：シーズン3は“ポップな夏休みの顔をしたホラー”だった

『ストレンジャー・シングス』シーズン3の伏線の面白さは、夏休み映画みたいな明るさの中に、かなり嫌な要素を忍ばせているところです。モール、恋愛、買い物、花火、アイスクリーム、アーケード。楽しいものばかり並んでいるのに、気がつくと全部が不気味な方向へつながっている。

そして最終的には、町の異常、ロシアの実験、怪物の侵食、人間関係の変化が、スターコート・モールという一か所で一気に回収されます。シーズン3は派手で、怖くて、ちょっと切なくて、シリーズの中でもかなり“娯楽作として完成度の高いシーズン”だと思います。

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン2の音楽は、シーズン1以上に“1984年の空気”を強くまとっています。アーケード、ハロウィン、ゴーストバスターズ、郊外の思春期、ニューウェーブ、パンク、メタル、シンセ。シーズン2は、物語のスケールアップに合わせて音楽の色も大きく広がりました。

ただし、この作品の楽曲は単なる懐メロではありません。シーズン2の挿入歌は、楽しい80年代感を出すだけでなく、ウィルの不穏さ、イレブンの孤独、ホーキンスに広がる異常、そして新しい人間関係の揺れを感情面から支えています。

この記事では、シーズン2で使われた楽曲をエピソード別に整理し、わかる範囲でどんな場面で流れるのか、そしてその曲がどんな意味を持っているのかをまとめます。シーズン3以降の情報には触れず、シーズン2だけで読める楽曲ガイドとして整理しました。

『ストレンジャー・シングス』シーズン2の音楽が特別な理由

シーズン2の選曲は、シーズン1以上に分かりやすく1984年らしさを打ち出しています。アーケードで鳴る軽快な曲、ハロウィンの浮かれた曲、不良っぽさを感じさせる曲、少し陰のあるニューウェーブ。楽曲だけでも、シーズン2が“世界の広がった続編”であることが分かります。Netflix Tudum のシーズン別楽曲一覧でも、シーズン2には Devo「Whip It」、Duran Duran「Girls on Film」、Bon Jovi「Runaway」などが並んでいます。

その一方で、シーズン2の音楽のうまさは、明るい曲ほど不安を深めるところにあります。みんなが楽しそうに見える場面ほど、その裏でウィルの異変や町の侵食が進んでいる。つまりシーズン2の音楽は、“楽しい80年代”と“終わっていない恐怖”を同時に鳴らしているのです。

第1話「Madmax」の楽曲

Devo「Whip It」

流れる場面： アーケードで少年たちの日常が戻ってきたように見える冒頭の空気を代表する一曲です。

この曲の役割：
軽快で少し変なテンションを持つこの曲は、シーズン2が“元気な80年代ノリで始まる”ことを宣言するように響きます。ただし、それは完全に安心できる帰還ではありません。明るさの裏に、もう前みたいには戻れない感じがずっと残っています。公式YouTube上では DEVOvision と Warner Records Vault の両方で公式MVが公開されています。

The Romantics「Talking in Your Sleep」

流れる場面： 第1話の使用曲として印象に残る一曲です。

この曲の役割：
タイトルそのものが、ウィルの異変や“無意識のうちに何かとつながっている感じ”と相性のいい楽曲です。日常が戻ったように見えて、実際にはまだ脅威が続いているというシーズン2前半の空気をよく表しています。The Romantics の公式MVとして公開ページが確認できます。 :contentReference[oaicite:3]{index=3}

Scorpions「Rock You Like a Hurricane」

流れる場面： シーズン2開幕の派手さを押し出すような印象を残す代表曲です。

この曲の役割：
直球の勢いと高揚感があり、新シーズンの始まりにぴったりの曲です。ただしシーズン2では、こういう盛り上がる曲ほど、このあと来る災厄との落差が強く効きます。Scorpions公式チャンネルの Official Video 公開ページを確認できました。

第2話「Trick or Treat, Freak」の楽曲

Duran Duran「Girls on Film」

流れる場面： ハロウィンと学校生活のきらびやかさ、1980年代カルチャーの表面を象徴するような場面で印象に残る楽曲です。

この曲の役割：
この曲が鳴ることで、シーズン2の世界はぐっとポップで華やかに見えます。でもその裏で、イレブンは孤立し、ウィルは恐怖に取り残されています。曲の華やかさが、むしろドラマの不穏さを際立たせています。Duran Duran 公式の「Girls on Film (Official Music Video)」公開ページを確認できたので、シーズン2記事でも埋め込み候補に入れられます。

ハロウィン回らしい音楽の使い方

第2話は、仮装や学校行事の楽しさと、本物の恐怖が隣り合う回です。軽さのある曲が鳴るほど、“この町にはまだ何かがおかしいものが残っている”感じが強まります。シーズン2前半の音楽設計がよく分かる回でもあります。

第3話「The Pollywog」の楽曲

Jim Croce「You Don’t Mess Around with Jim」

流れる場面： 第3話の印象的な使用曲のひとつです。

この曲の役割：
少しおどけた雰囲気のある曲ですが、シーズン2では“危険なものを甘く見るな”という皮肉な響き方をします。ダートをかわいいものとして扱ってしまうダスティンの感覚と重ねてみると、かなり意味深な選曲です。

Psychedelic Furs「The Ghost in You」

流れる場面： 第3話を代表する雰囲気のある一曲です。

この曲の役割：
タイトルどおり、“何かが自分の中にいる”というシーズン2のモチーフと非常に相性がいい曲です。ウィルの不安を直接説明するわけではありませんが、シーズン2前半の幽霊のような不穏さを音楽で補強しています。The Psychedelic Furs の公式動画ページが確認できたため、この曲も埋め込み対象にできます。

そのほかの第3話使用曲

• Ill Repute「Cortez」
• The Al Casey Combo「Cookin’」
• Jumpstreet「How I Feel About You」

第3話は、かわいさ、不気味さ、青春感、違和感が混ざり合う回です。楽曲も同じように、ひとつのトーンで統一せず、少しずつ危険の輪郭を見せていきます。

第4話「Will the Wise」の楽曲

The Clash「This Is Radio Clash」

流れる場面： 第4話の使用曲として印象に残る一曲です。

この曲の役割：
シーズン1で「Should I Stay or Should I Go」がウィルの記号になっていた流れを思い出させるように、この曲もまた“通信”や“接続”のイメージと相性がいいです。第4話は、ウィルの絵や異常がみんなをつなぐ情報になっていく回なので、曲名まで含めて象徴的です。The Clash 公式チャンネルの Official Video 公開ページを確認できました。

Paul Engemann「Scarface (Push It to the Limit)」

流れる場面： 80年代らしい過剰さと勢いを強く感じさせる曲として使われています。

この曲の役割：
ポップで派手な80年代感を前に出しつつ、その裏ではウィルの状態はどんどん悪化しています。このギャップがシーズン2前半の怖さです。

第5話「Dig Dug」の楽曲

Philip Glass Ensemble「Open the Kingdom (Liquid Days, Part II)」

流れる場面： 第5話の印象的な楽曲のひとつです。

この曲の役割：
第5話は、地上の人間ドラマと地下の巨大構造が結びつく回です。この曲の広がりのある響きは、ホーキンスの問題が一気に深く、大きく見えてくる感覚とよく合っています。

そのほかの第5話使用曲

• Carroll Lloyd「Try My Love」
• Bobby Bare「Green, Green Grass of Home」
• Shock Therapy「Can I Do What I Want」
• Hittman「Metal Sport」
• Robert Görl「Darling Don’t Leave Me」
• The Jetzons「When the Sun Goes Down」
• Channel 3「Strength in Numbers」
• Billie Holiday「No More」

第5話は、音楽のバリエーションが広いのも特徴です。町の複数の視点や感情の層が、楽曲の幅にも表れています。

第6話「The Spy」の楽曲

第6話は、スティーブとダスティンのバディ感、ダートの危険性、ウィルの“スパイ”としての恐ろしさが一気に前面に出る回です。前半の軽さと後半の危機感がはっきり分かれ始めるので、音楽の使い方もシーズン2の中間地点として印象的です。

この回は、青春ノリの軽さが完全には消えない一方で、もうそれだけでは済まない緊張感が支配し始めています。シーズン2の“明るさと不穏さの二重構造”がよく分かる回です。

第7話「The Lost Sister」の楽曲

Bon Jovi「Runaway」

流れる場面： 第7話の空気を象徴する代表曲です。

この曲の役割：
タイトルどおり、この回のイレブンはホーキンスを離れ、“家出した少女”のようなかたちで描かれます。ホーキンスの郊外ホラーとは違う、都会的で反抗的な空気を一気に作る曲です。Bon Jovi 公式の「Runaway (Official Music Video)」公開ページを確認できました。

Fad Gadget「Back to Nature」

流れる場面： 第7話の異質さを支える印象的な一曲です。

この曲の役割：
第7話は、他のエピソードとはまるで別の作品のように見える瞬間があります。その違和感を支えているのが、こうした荒くて反抗的な音楽です。シーズン2全体のなかでも、この回だけ音楽の温度が大きく変わります。

第8話「The Mind Flayer」の音楽

第8話は研究所内のサバイバルとイレブン帰還のカタルシスが同時に来る回です。音楽もまた、パニック映画の緊張感と、“仲間が戻ってきた”という感情の解放を同時に支えています。

ここでは、ただ怖がらせるための音ではなく、絶望的な状況の中で誰が誰を助けようとしているのかを強く印象づける役割が大きくなります。シーズン2後半の音楽は、恐怖だけでなく連帯の感情もかなり前に出てきます。

第9話「The Gate」の音楽

最終話の音楽は、地下の作戦、ホッパーとイレブンの再接続、ゲート閉鎖、そして最後の余韻までをひとつにまとめる役割を持っています。ホラー、青春、郷愁の全部を一度に鳴らして、シーズン2の着地点を作る回です。

シーズン1の最終話が“事件の決着”に強く寄っていたのに対し、シーズン2の最終話は“新しい関係性の完成”にも重心があります。そのため音楽も、恐怖の伴奏だけでなく、人間関係の余韻を残す働きが強いです。

シーズン2で特に重要な音楽モチーフ

1. “明るい80年代”と“侵食されるホーキンス”のギャップ

「Whip It」「Girls on Film」「Rock You Like a Hurricane」のような曲は、聞いた瞬間に1984年の活気を作ります。でもその裏では、畑が腐り、ウィルが壊れ始め、地下では何かが広がっています。シーズン2の挿入歌は、このギャップで効かせるものが多いです。

2. 接続と侵入の感覚

シーズン1ほど明確な一曲の反復ではないものの、シーズン2でも音楽は“つながること”と“侵入されること”の感覚に近い位置で使われています。ウィルの状態や、地下で広がる存在感を考えると、音楽もまた境界の曖昧さを支える要素になっています。

3. 第7話だけ別作品のように聞こえること

第7話「The Lost Sister」は、シーズン2の中でも特に異質な回です。音楽もその異質さを支えていて、ホーキンスの郊外ホラーから、都市の反抗劇へ一時的にチャンネルを変える役割を果たしています。Bon Jovi の公式MV公開ページも、その“80年代ど真ん中の外部世界”感と相性がいいです。

まとめ：シーズン2は“スケールアップした80年代ミックス”を音でもやっている

『ストレンジャー・シングス』シーズン2の音楽は、シーズン1の延長でありながら、より派手で、より分かりやすく1984年らしさを押し出しています。アーケード、ハロウィン、パーティ、不良、シカゴ編まで含めて、音楽で世界の広がりが表現されています。

それでも根本は変わりません。この作品の音楽は、ただ懐かしいだけではなく、人物の孤独や恐怖、そしてつながりを支えるために置かれています。シーズン2はそのやり方がさらに多彩になったシーズンで、見返すと“音で作っている感情”がかなり多いことに気づけます。

『ストレンジャー・シングス』シーズン1楽曲・挿入歌・使用場面・サントラガイド

『ストレンジャー・シングス』シーズン1の楽曲挿入歌・使用場面・意味をエピソード別にまとめています！【シーズン2以降ネタバレなし】Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン1は、物語の面白さだけでなく、挿入歌や劇伴の...

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シーズン別の伏線・楽曲・オマージュ記事は、こちらの総合ガイドにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

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Netflixドラマ『ストレンジャー・シングス 未知の世界』シーズン1は、物語の面白さだけでなく、挿入歌や劇伴の使い方でも高く評価されている作品です。特に「Should I Stay or Should I Go」や「Heroes」などの印象的な楽曲は、単なるBGMではなく、登場人物の感情や物語の伏線と深く結びついています。この記事では、シーズン1で使われた楽曲をエピソード別に整理し、使用場面や意味をネタバレを抑えながらわかりやすく解説します。

『ストレンジャー・シングス』シーズン1が特別なのは、物語や演出だけではありません。80年代ポップス、ニューウェーブ、ポストパンク、シンセ主体の劇伴が絶妙に組み合わさることで、ホーキンスの不穏さ、子どもたちの冒険感、そして家族の喪失感が強く印象づけられています。

この記事では、シーズン1の楽曲をエピソード別に整理し、わかる範囲でどんな場面で流れるのか、そしてその曲がどんな意味を持っているのかをまとめます。シーズン2以降の情報には触れず、シーズン1だけで完結するガイドとして読めるように構成しました。

『ストレンジャー・シングス』シーズン1の音楽が特別な理由

この作品の音楽は、懐かしい80年代ヒットを並べているだけではありません。挿入歌は、キャラクターの心理や関係性を補強したり、ある曲そのものを物語上の記号にしたりしています。特にシーズン1では、ある曲が“誰かの不在を思い出させる合図”として繰り返し機能するため、音楽が脚本の一部になっています。

また、劇伴を担当するカイル・ディクソン＆マイケル・スタインのシンセスコアが、80年代ホラーやSFへのオマージュを現代的に再構築しており、挿入歌と劇伴が一体になって作品世界を支えています。

第1話「ウィル・バイヤーズの失踪」の楽曲

Toto「Africa」

流れる場面： 嵐が始まる場面で印象的に使われる代表曲。

この曲の役割：
どこか大きくて開けたポップスなのに、不穏な出来事の始まりに重なることで、ホーキンスの日常が少しずつズレていく感覚を生み出します。第1話らしい「まだ普通の世界に見えるのに、もう何かがおかしい」という空気づくりに効いています。

そのほかの第1話使用曲

• The Seeds「Can’t Seem to Make You Mine」
• Jefferson Airplane「She Has Funny Cars」
• Jefferson Airplane「White Rabbit」

第1話はまだ“事件の導入”なので、楽曲も作品世界の輪郭を整える役割が強めです。選曲の時点で、サイケ、ロック、80年代への入り口が混在していて、単なるノスタルジー作品ではないことが分かります。

第2話「メープル通りの変わり者」の楽曲

The Clash「Should I Stay or Should I Go」

流れる場面： シーズン1ではこの曲がウィルと家族を結ぶ重要なモチーフとして機能し始めます。

この曲の役割：
シーズン1において最重要のポップソングです。単なる劇中歌ではなく、記憶、家族、つながり、不在の痛みを背負った“合図”になります。以後この曲が流れるたびに、視聴者はウィルの存在を意識するようになります。

The Bangles「Hazy Shade of Winter」

流れる場面： 第2話の使用曲として確認されている代表的な1曲。

この曲の役割：
タイトルどおり、季節感と不穏さの両方を抱えた選曲です。ホーキンスの空気が“普通の町の秋冬”から、“どこか冷えた別世界の入口”へ変わっていく感じを補強します。

そのほかの第2話使用曲

• Modern English「I Melt with You」
• Trooper「Raise a Little Hell」

第2話は、イレブンが“ただの迷子の子”ではなく、ウィル失踪の核心につながる存在だと分かり始める回です。楽曲も、まだ世界が完全に崩れてはいないけれど、不穏さがじわじわ拡大していくバランスで置かれています。

第3話「悲しみのクリスマス」の楽曲

Peter Gabriel「Heroes」

流れる場面： 第3話の感情的な転換点を支える代表曲。

この曲の役割：
『ストレンジャー・シングス』の音楽使いを象徴する1曲です。希望の歌であるはずなのに、喪失や痛みと重ねることで、単純な感動では終わらない複雑な余韻を生みます。シーズン1の“悲しみの中に希望が混ざる感じ”を最もよく表す選曲のひとつです。

補足：
劇中で使われているのは、David Bowieの原曲ではなく、Peter Gabrielによるカバー版「Heroes」です。

Foreigner「I’ve Been Waiting for a Girl Like You」

流れる場面： ナンシーとスティーブの親密さを包む場面で印象的に機能。

この曲の役割：
ロマンティックな曲ではありますが、この作品では無邪気な幸福感だけを演出しているわけではありません。青春映画らしい甘さの裏で、嫌な予感がずっと消えないのが『ストレンジャー・シングス』らしいところです。

第4話「遺体」の楽曲

Joy Division「Atmosphere」

流れる場面： ウィルの“死”が町を覆うような、喪失感の強い流れで印象づけられる1曲。

この曲の役割：
第4話のテーマは悲嘆と違和感です。みんなが死を受け入れようとする一方で、ジョイスだけは受け入れません。この曲は、ただの悲しい場面ではなく、“何かがおかしいまま進んでいる葬送感”を強くしています。

The Clash「Should I Stay or Should I Go」

流れる場面： 無線越しにウィルの歌声として結びつく重要場面。

この曲の役割：
ここでこの曲は完全に“ウィルのシグナル”になります。もはや背景音楽ではなく、物語上の手掛かりそのものです。

そのほかの第4話使用曲

• The Deep「Color Dreams」

第5話「ノミと曲芸師」の楽曲

New Order「Elegia」

流れる場面： ウィルの葬儀の場面。

この曲の役割：
非常に象徴的な選曲です。静かで、感情を煽りすぎず、それでいて取り返しのつかなさだけが強く残ります。『ストレンジャー・シングス』シーズン1の悲しみは、泣かせに来るメロドラマではなく、“受け入れられない喪失感”として描かれますが、その感覚をこの曲が見事に支えています。

Steve（Joe Keery）による「Old Time Rock and Roll」

流れる場面： 第5話のなかで軽さや若さを感じさせる瞬間に置かれる楽曲。

この曲の役割：
シリアス一辺倒になりすぎないよう、80年代青春映画の空気を一瞬差し込む働きがあります。こうした軽さがあるからこそ、異常事態の怖さも引き立ちます。

第6話「モンスター」の楽曲

Tangerine Dream「Exit」

流れる場面： ジョナサンとスティーブの衝突シーンで使われる楽曲。

この曲の役割：
感情のぶつかり合いに、ただの青春ドラマではない硬質な緊張感を与えます。『ストレンジャー・シングス』は、ティーンの衝突さえも80年代SF・ホラーの質感で包んでしまうのが面白いところです。

そのほかの第6話使用曲

• Dolly Parton「The Bargain Store」
• Brahms「Symphony No. 4」

第6話は、異界と現実の境界がさらに崩れ、研究所の不穏さも増していく回です。選曲も、ポップさより緊張感や異物感が強まります。

第7話「浴槽」の楽曲

Vangelis「Fields of Coral」

流れる場面： 手作りの感覚遮断タンクを組み立てる場面。

この曲の役割：
この場面は、子どもたちの冒険心とSF感が最も美しく噛み合う瞬間のひとつです。即席の装置なのに、そこに“本当に別世界へ手を伸ばそうとしている感じ”が出るのは、この曲の力も大きいです。

「Should I Stay or Should I Go」(Willの歌唱版)

流れる場面： ウィルの存在を直接感じさせるかたちで響くバージョン。

この曲の役割：
ここまで来ると、この曲は完全にシーズン1の心臓部です。ポップソングでありながら、家族の記憶、居場所、帰還への願いを一度に背負う曲になっています。

第8話「裏側の世界」の音楽について

第8話には独立したサントラ登録ページがありますが、公開検索だけでは曲名一覧の場面特定まで十分に取れないものがありました。そのため、ここでは無理に断定せず、最終話全体の音の使い方に絞ってまとめます。

最終話の音楽は、これまで積み上げてきた喪失感、友情、恐怖、決意を一気に決着へ向かわせる役割を担っています。派手に盛り上げるというより、シンセ主体の劇伴と挿入歌の余韻で“ここまでの全部が最後につながる”感覚を作るのが印象的です。

シーズン1で最も重要な曲はなぜ「Should I Stay or Should I Go」なのか

シーズン1の楽曲を1曲だけ挙げるなら、やはり The Clash の「Should I Stay or Should I Go」です。

この曲が特別なのは、懐かしい名曲だからではありません。『ストレンジャー・シングス』シーズン1では、この曲が記憶の曲であり、不在の曲であり、“まだそこにいる”ことを知らせる曲として機能するからです。

つまりこの曲は、BGMではなく、脚本の一部です。作品の外から鳴る音楽ではなく、物語の内部で意味を持つ“符号”になっています。

劇伴も含めて見ると、シーズン1の音楽は“世界観そのもの”になっている

挿入歌ばかりに注目が集まりがちですが、シーズン1の魅力は劇伴抜きでは語れません。シンセの冷たさ、不穏な持続音、じわじわ広がるような音像があるからこそ、ホーキンスという町が“日常の顔をした異常空間”として成立しています。

ポップソングは感情や時代感を与え、劇伴は異界の気配を与える。この二層構造が、『ストレンジャー・シングス』シーズン1の音楽を特別なものにしています。

まとめ：シーズン1は“音楽込みで完成するドラマ”

『ストレンジャー・シングス』シーズン1は、ストーリーだけ追っても十分面白い作品です。ただ、音楽に意識を向けると見え方がかなり変わります。どの曲がどの場面で鳴るのかを意識すると、キャラクターの感情や伏線の置き方がもっとはっきり伝わってきます。

とくに「Should I Stay or Should I Go」と「Heroes」は、シーズン1の感情の核に深く関わる曲です。次に見返すときは、怪物や研究所だけでなく、ぜひ“音楽がどんな意味を持っているか”にも注目してみてください。

シーズン別の伏線・楽曲・オマージュ記事は、こちらの総合ガイドにまとめています。

『ストレンジャー・シングス』完全ガイド｜シーズン別の伏線・音楽・オマージュ・人物解説まとめ

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